#TBT & Steemit [English-Español-Deutsch]

Although there are some people who use the #TBT or #ThrowbackThursday tag (read the definition here) on the Steem platform, its use is not something common and has not been established as a trend.

However, today I want to make the formal proposal to assume #tbt as part of our platform as well.


Versión en español más abajo.
Deutsch Version weiter unten.

Why?

The tag is designed for posting on Thursdays an old image, a photo of the memory, it is a longing. The idea is to follow a trend that has become popular in different social networks and has a large amount of followers.

I will copy below some phrases that are related to this proposal:

«Taking a picture, freezing a moment, reveals how truly rich reality is»
Anonymous [Source]

«What i like about photographs is that they capture a moment that’s gone forever, impossible to reproduce»
Karl Lagerfeld [Source]

And if we add to this the Chinese proverb that says «an image is worth a thousand words», I think we have sufficient reasons to support this proposal.

The Steem version

But my proposal goes a little further. Although in some networks this label is the excuse for a photo without more content, I think that due to the characteristics of our platform, it must have some characteristics that govern this label.

Since this is a decentralized network, of course, this is just a proposal. Taking that into consideration, I propose that:

  • images should be directly related to the author
  • it has to have a description that complements the story in the image
  • that they mean a contribution to the community, in experience, aesthetics, history, etc.

So I take this opportunity to invite communities dedicated to photography, such as @bescouted.com and @sr-nikon, (and all others) to promote this idea.

My #tbt

Without further ado I leave here my first contribution. It is a photo on the Orinoco River, in Venezuela. This river is one of the most important in South America, as indicated by Wikipedia and divides the country into a block located to the north, where is the most populated of the country and the austral region that includes among other things La Gran Sabana and the Amazon.

The first bridge that was made to cross this river was inaugurated in 1967, the Angostura Bridge. Therefore, before that date you could only cross by boat or barge.

This photo corresponds approximately to the year 1966 and we were preparing to cross the river.

I am the child that is in the foreground and behind me are my sister and my mom, along with other close relatives.

The picture was taken by my dad with a Yashica 6X6 camera (Here you can see a similar one).

Cruzando-el-Orinocoo.png

Español

Aunque hay algunas personas que utilizan en la plataforma Steem la etiqueta #TBT o #ThrowbackThursday (Jueves de antaño) (ver definición en ingles), su uso no es algo común y no se ha establecido como una tendencia.

Sin embargo, hoy quiero hacer la propuesta formal de que asumamos #tbt como parte también de nuestra plataforma.

¿Por qué?

La etiqueta está concebida para publicar los días jueves una imagen vieja, una foto del recuerdo, es una añoranza. La idea es seguir una tendencia que se ha vuelto popular en distintas redes sociales y que tiene gran cantidad de seguidores.

Voy a copiar a continuación algunas frases que tienen relación con esta propuesta:

”Tomar una imagen, congelar un momento, revela cuán verdaderamente rica es la realidad”
Anónimo [Fuente]

“What i like about photographs is that they capture a moment that’s gone forever, impossible to reproduce”
Karl Lagerfeld [Fuente]

Y si a esto le agregamos el proverbio chino que dice que “una imagen vale más que mil palabras”, creo que tenemos razones suficientes para apoyar esta propuesta.

La version Steem

Pero mi propuesta va un poco más allá. Aunque en algunas redes esta etiqueta es la excusa para una foto sin más contenido, creo que por las características de nuestra plataforma, debe tener algunas características que rijan esta etiqueta.

Como esta es una red descentralizada, por supuesto, esto es solo una propuesta. Tomando eso en consideración propongo que:

  • sean imágenes directamente relacionadas con el autor
  • que tengan una descripción que complemente la historia en la imagen
  • que signifiquen un aporte a la comunidad, en experiencia, estética, historia, etc.

Así que aprovecho para invitar a las comunidades dedicadas a la fotografía, tales como @bescouted.com y @sr-nikon (y a todas las demás) a impulsar esta idea.

Mi #tbt

Sin más preámbulo dejo acá mi primer aporte. Se trata de una foto en el río Orinoco, en Venezuela. Este río es uno de los más importantes de América del Sur, tal como lo indica la Wikipedia y divide al país en un bloque situado al norte, donde está la mayor parte poblada del país y la región austral que incluye entre otras cosas La Gran Sabana y el Amazonas.

El primer puente que se hizo para cruzar este río fue inaugurado en 1967, el Puente de Angostura. Por lo tanto, antes de esa fecha solo se podía cruzar en lancha o en chalana.

Esta foto corresponde aproximadamente al año 1966 y estábamos preparándonos para cruzar el río.

Yo soy el niño que está en primer plano y detrás de mí están mi hermana y mi mamá, junto a otros familiares cercanos.

La foto fue tomada por mi papá con una cámara Yashica 6X6 (Aquí puedes ver una parecida).

Cruzando-el-Orinocoo.png

Deutsch

Obwohl es einige Leute gibt, die das #TBT oder #ThrowbackThursdayTag (Definition auf Englisch lesen) auf der Steem-Plattform verwenden, ist die Verwendung nicht üblich und wurde nicht als Trend etabliert.

Heute möchte ich jedoch den formellen Vorschlag unterbreiten, #tbt auch als Teil unserer Plattform anzunehmen.

Warum?

Mit diesem Tag soll donnerstags ein altes Bild, ein Foto der Erinnerung, gepostestet werden, es hat mit Sehnsucht zu tun. So, die Idee ist, einem Trend zu folgen, der in verschiedenen sozialen Netzwerken populär geworden ist und viele Anhänger hat.

Ich werde unten einige Sätze kopieren, die sich auf diesen Vorschlag beziehen:

«Wenn Sie ein Bild machen und einen Moment einfrieren, wird deutlich, wie wahrhaft reich Realität ist»
Anonym [Quelle]

«Was ich an Fotos mag, ist, dass sie einen Moment festhalten, der für immer vergangen ist und nicht reproduziert werden kann»
Karl Lagerfeld [Quelle]

Und wenn wir das chinesische Sprichwort hinzufügen, das sagt: «Ein Bild sagt mehr als tausend Worte», haben wir meiner Meinung nach ausreichende Gründe, um diesen Vorschlag zu unterstützen.

Die Steem-Version

Aber mein Vorschlag geht noch ein bisschen weiter. Obwohl dieses Label in einigen Netzwerken die Ausrede für ein Foto ohne zusätzlichen Inhalt ist, denke ich, dass es aufgrund der Merkmale unserer Plattform einige Eigenschaften haben muss, die dieses Label bestimmen.

Da es sich hierbei um ein dezentrales Netzwerk handelt, geht es natürlich nur um einen Vorschlag. In Anbetracht dessen schlage ich Folgendes vor:

  • Bilder sollten direkt mit dem Autor verbunden sein
  • es muss eine Beschreibung haben, die die Geschichte im Bild ergänzt
  • dass sie einen Beitrag für die Community bedeuten, in Erfahrung, Ästhetik, Geschichte usw.

Deshalb nehme ich die Gelegenheit wahr, Communities, die sich der Fotografie widmen, wie @bescouted.com und @sr-nikon (und alle anderen), einzuladen, um diese Idee zu fördern.

Mein #tbt

Ohne weiteres lasse ich hier meinen ersten Beitrag. Es ist ein Foto beim Orinoco River in Venezuela. Dieser Fluss ist einer der wichtigsten in Südamerika, wie aus der Wikipedia hervorgeht. Er teilt das Land in einen Block im Norden auf, in dem der am dichtesten besiedelte Teil des Landes ist und der australischen Region, zu der unter anderem La Gran Sabana und der Amazon gehören.

Die erste Brücke zur Überquerung dieses Flusses wurde 1967 eingeweiht, die Puente de Angostura. Daher konnte man vor diesem Datum nur mit einem Boot oder einer Lastkahn überqueren.

Dieses Foto entspricht ungefähr dem Jahr 1966 und wir bereiten die Überquerung des Flusses vor.

Ich bin das Kind, das im Vordergrund steht, und hinter mir stehen meine Schwester und meine Mutter, zusammen mit anderen nahen Verwandten.

Das Foto wurde von meinem Vater mit einer Yashica 6X6 Kamera aufgenommen (Hier kannst du eine ähnliche sehen).

Cruzando-el-Orinocoo.png

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«Weapons of choice» in #danceweekend

I am an inveterate cinema lover and one of the things I like to do most is watch a good movie. In the 80s (I was about 20 years old) was when I took the most to go to the movies and I could enjoy great releases and movies, some more known than others, but especially the great successes of that era.


Versión en español más abajo
Deutsche Version weiter unten

I can also say that I can watch the same movie several times (if I liked it, of course). On one occasion I went to the cinema 13 times to see the same movie. That was years before, but I achieved that record. However, in the 80s I saw one, that despite having caused me a profound impact and having left a deep impression, I did not see it again (and I still do not have a second appreciation). The plot was surprising and I take advantage of and I quote the Wikipedia in Spanish, which says the following:

A group of scientists led by Dr. Michael Anthony Brace and Dr. Lilian Reynolds invents a helmet that can detect all the thoughts, feelings and sensations of the user, as well as record them and have them received by another person. Things get complicated when they have to face the ethical implications of it and get even worse, when they discover, that the government and the army try to seize the invention for warlike applications like brainwashing.
Wikipedia

This film, as well as having an interesting subject for me, featured a performance that left me surprised, because it was an actor that until then I did not know: Christopher Walken, a man capable of showing the most empty look that one can imagine, almost like looking inside the soul of a dead person. By the way, that was the last movie that Natalie Wood did, because she died during the filming.

That fact ended there and although I could see Walken in other movies, I had the memory and the image of him in the science fiction film that I mentioned.

Part 2

Around 1985, my music teacher, Gerry Weil, a Venezuelan of Austrian origin, a forerunner of jazz and electronic music in Venezuela, began insisting that I become a keyboard player and start making electronic music. He was the one who gave me my first copy of the Digital Performer program and who started talking to me about the MIDI format and all the basic concepts of music programming.

Although I did not dedicate attention to that aspect of the music at that moment, it did not take long until another musician, the extraordinary Mexican friend and producer Luis Oliver, insisted on the subject again, but here it was already a formal proposal to give me some of the jobs he could not do. That’s how it went. And to start catching up I started buying all the editions of the Spanish magazines Computer Music and Future Music.

There I started to meet Djs and producers of a music that was new to me, among those names were some predecessors like the Finnish Jori Hulkkonen or the British Fatboy Slim. Of the latter I was deeply touched by one of his songs, because I discovered that he was a true artist. That song was with the voice of Jim Morrison, the singer of The Doors and its title «Bird of Prey» (I’m going to leave it as a bonus track at the end of this post.

Part 3

The rest was like a mix that played life. I suppose that Norman Quentin Cook (the real name of Fatboy Slim) had the same perception as me (and probably many more people) and thought it would be interesting to make a danceable tune with a protagonist that would be as opposite as possible to the dance. And here was where, in the year 2000, Fatboy Slim and Christopher Walken came together to bring us an exceptional piece that serves today to brighten up this #danceweekend.

Music at the end of this post!

Español

Parte 1

Soy un amante empedernido del cine y una de las cosas que más me gusta hacer es ver una buena película. En los años 80 (a mis 20 años) fue cuando más aproveché para ir al cine y pude disfrutar de grandes estrenos y de películas, algunas más conocidas que otras, pero sobre todo los grandes éxitos de esa época.

También puedo afirmar que puedo ver varias veces la misma película (si me ha gustado, claro). En una ocasión llegué a ir 13 veces al cine a ver la misma película. Eso fue años antes, pero logre ese récord. Sin embargo, en los 80 vi una, que a pesar de haberme causado un impacto profundo y de haberme dejado una honda huella, no la volví a ver (y sigo sin una segunda apreciación). La trama era sorprendente y aprovecho y cito la Wikipedia en español, que dice lo siguiente:

Un grupo de científicos dirigidos por Dr. Michael Anthony Brace y Dr. Lilian Reynolds inventa un casco que puede detectar todos los pensamientos, sentimientos y sensaciones del que lo usa, así como grabarlos y que otra persona los reciba. Las cosas se complican cuando tienen que enfrentarse a las implicaciones éticas del mismo y empeoran aún mas, cuando descubren, que el gobierno y el ejército tratan de apoderarse del invento para aplicaciones bélicas como el lavado de cerebro.
Wikipedia

Esa película, además de ser un tema ineresante para mí, contó con una actuación que me dejó sorprendido, pues se trataba de un actor que hasta ese momento yo no conocía: [Christopher Walken], un hombre capaz de mostrar la mirada más vacía que uno pueda imaginar, casi como mirar dentro del alma de un muerto. Por cierto, fue esa la última película que hizo Natalie Wood, pues ella murió durante el rodaje.

Ese hecho terminó allí y aunque pude ver a Walken en otras películas, me quedó el recuerdo y la imagen de él en la cinta de ciencia ficción que comenté.

Parte 2

Aproximadamente en 1985, mi profesor de música, Gerry Weil, un venezolano de origen austríaco, precursor del jazz y la música electrónica en Venezuela, empezó a insistirme en que me convirtiera en tecladista y que empezara a hacer música electrónica. Fue el quien me facilitó mi primera copia del programa Digital Performer y quien empezó a hablarme del formato MIDI y todos los conceptos básicos de la programación de música.

Aunque yo no le dediqué en ese momento la atención a esa faceta de la música, no pasó mucho tiempo hasta que otro músico, el extraordinario amigo y productor mexicano Luis Oliver, me volvió a insistir en el tema, pero aquí ya era una propuesta formal para darme a mí algunos de los trabajos que él no podía hacer. Así fue. Y para empezar a ponerme al día empecé a comprar todas las ediciones de las revistas españolas Computer Music y Future Music.

Allí empecé a conocer a Djs y productores de una música que era nueva para mí, entre esos nombres había algunos precursores como el finlandés Jori Hulkkonen o el británico Fatboy Slim. De éste último me impactó profundamente una de sus canciones, pues descubrí que se trataba de un verdadero artista. Aquella canción era con la voz de Jim Morrison, el cantante de The Doors y su título “Bird of Prey” (lo voy a dejar de bonus track al final de este post.

Parte 3

Lo demás fue como una mezcla que jugó la vida. Yo supongo que Norman Quentin Cook (el nombre real de Fatboy Slim) tuvo la misma percepción que yo (y seguramente muchas personas más) y pensó que sería interesante hacer un tema bailable con un protagonista que resultara lo más opuesto posible al baile. Y aquí fue donde, en el año 2000, se juntaron Fatboy Slim y Christopher Walken para traernos una pieza excepcional que sirve hoy para alegrarnos este #danceweekend.

¡Música al final de esta publicación!

Deutsch

Ich bin ein begeisterter Kinoliebhaber und eines der Dinge, die ich am liebsten mache, ist einen guten Film anzusehen. In den 80er Jahren (ich war ungefähr 20 Jahre alt) nahm ich die meiste Zeit mit, um ins Kino zu gehen, und ich konnte großartige Veröffentlichungen und Filme genießen, von denen einige bekannter als andere waren, vor allem aber die großen Erfolge dieser Epoche.

Ich kann auch sagen, dass ich denselben Film mehrmals sehen kann (wenn es mir gefallen hat). Einmal ging ich 13 Mal ins Kino, um denselben Film zu sehen. Das war Jahre zuvor, aber ich habe diesen Rekord erreicht. In den 80er Jahren sah ich jedoch einen, der mich zwar tief beeindruckte und eine grosse Spur in mir hinterlies, aber dass ich es nicht wieder sah (und sogar heute habe ich immer noch keine zweite Wertschätzung). Die Handlung war überraschend und ich werde die Wikipedia auf Spanisch zitieren.

Eine Gruppe von Wissenschaftlern unter der Leitung von Dr. Michael Anthony Brace und Dr. Lilian Reynolds erfindet einen Helm, der alle Gedanken, Gefühle und Empfindungen des Benutzers erkennt, aufzeichnet und von einer anderen Person empfangen lässt. Die Dinge werden kompliziert, wenn sie sich den ethischen Konsequenzen stellen müssen und noch schlimmer, wenn sie feststellen, dass Regierung und Armee versuchen, die Erfindung für kriegsähnliche Anwendungen wie die Gehirnwäsche zu ergreifen.
Wikipedia

Dieser Film hatte nicht nur ein interessantes Thema für mich, sondern auch eine Performance, die mich überraschte, denn ich kannte bis dahin nicht, diesen Schauspieler nichtt: Christopher Walken, ein Mann, der den leersten Blick dass man sich vorstellenen kann zeigen, fast wie in die Seele eines toten Menschen zu schauen. Das war übrigens der letzte Film, den Natalie Wood gemacht hat, weil sie während der Dreharbeiten starb.

Die ganze Sache endete dort und obwohl ich Walken in anderen Filmen sehen konnte, hatte ich die Erinnerung und das Bild von ihm in dem Science-Fiction-Film, den ich erwähnte.

Teil 2

Um 1985 begann mein Musiklehrer Gerry Weil, ein Venezolaner österreichischer Herkunft, ein Vorläufer von Jazz und elektronischer Musik in Venezuela, darauf zu bestehen, dass ich Keyboarder werde und anfange, elektronische Musik zu machen. Er gab mir meine erste Kopie des Digital Performer-Programms und sprach mit mir über das MIDI-Format und alle grundlegenden Konzepte der Musikprogrammierung.

Obwohl ich mich zu diesem Zeitpunkt nicht mit diesem Aspekt der Musik befasst habe, dauerte es nicht lange, bis ein anderer Musiker, der außergewöhnliche mexikanische Freund und Produzent Luis Oliver, das Thema erneut beharrte, aber hier war es bereits ein formaler Vorschlag mir einige der Jobs, die er nicht erledigen konnte, zu geben. So lief es. Und um aufholen zu können, kaufte ich alle Ausgaben der spanischen Zeitschriften Computer Music und Future Music.

Dort fing ich an, Djs und Produzenten einer Musik zu treffen, die für mich neu war. Unter diesen Namen waren einige Vorgänger wie der finnische Jori Hulkkonen oder der britische Fatboy Slim. Von letzterem war ich tief berührt von einem seiner Songs, weil ich entdeckte, dass er ein wahrer Künstler war. Dieses Lied war mit der Stimme von Jim Morrison, dem Sänger von The Doors und der Titel «Bird of Prey» (Ich werde es am Ende dieses Beitrags als Bonustrack belassen).

Teil 3

Der Rest war wie eine Mischung, die das Leben spielte. Ich nehme an, dass Norman Quentin Cook (der wahre Name von Fatboy Slim) die gleiche Wahrnehmung wie ich (und wahrscheinlich viele andere) hatte und dachte, es wäre interessant, eine tanzbare Melodie mit einem Protagonisten zu machen, der das totalle Gegenteil zum tanzen wäre. Und hier kamen im Jahr 2000 Fatboy Slim und Christopher Walken zusammen, um uns eine außergewöhnliche Produktion zu bringen, das heute dazu dient, dieses #danceweekend aufzuhellen.

Music – Música – Musik

Weapon of choice


Bird of Prey (Bonus track)


# This post was created for the #danceweekend tag, created by @uwelang
# Este artículo fue creado para el tag #danceweekend, creado por @uwelang
# Dieser Beitrag wurde für das von @uwelang erstellte Tag #danceweekend geschrieben


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Steemit Open Mic Week 125 – Huaquero (Cover)

openmic-125.png

The first time I sang at a public event as a soloist, I was 12 years old. That was in 1972 in the city of Erfurt, Germany.

I have told on several occasions, especially in my posts with the #mymusic tag, that my youth was marked by the music of South America and especially by the music of the Andean highlands.

The song that I sang on that occasion in Germany is a northern Marinera, a rhythm, a dance music from Peru. It was composed by Miguel Paz and is entitled «Huaquero».

Today I have the pleasure of bringing it back, after almost 47 years, as my entry for the Steemit Open Mic, Week 125.

I hope you enjoy it!

Erfurt 1972


Español

La primera vez que canté en un evento público como solista, yo tenía 12 años de edad. Eso fue en 1972 en la ciudad de Erfurt, Alemania.

Yo he contado en varias ocasiones, sobre todo en mis publicaciones con la etiqueta #mymusic, que mi juventud estuvo marcada por la música de América del Sur y muy especialmente por la música del altiplano andino.

La canción que canté en esa ocasión es una Marinera norteña, un ritmo, una música bailable del Perú. La misma fue compuesta por Miguel Paz y lleva por título «Huaquero».

Hoy tengo el gusto de traerla nuevamente, luego de casi 47 años, como mi participación en el concurso Steemit Open Mic, en su semana 125.

¡Espero que la disfruten!

Huaquero


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Gardel in #MyMusic

A couple of months ago I told you about how I started playing serenatas (read my post). In those days I was listening to all kinds of music that allowed us to expand our repertoire to take to the windows and doors of the chosen ladies. Although our intention was not to conquer the love, but to entertain musically, as is to be imagined, there was more than one person who «misinterpreted» our job as minstrels… But the main theme was in every song the same: love.

In those days someone suggested a song to me, of which I found many versions, but almost always I used to look for the original. The title of the piece of music: «El día que me quieras» (The day you love me) and the original interpreter: Carlos Gardel.

Source – Fuente – Quelle


Versión en español más abajo
Deutsche Version weiter unten

Although I was in advance familiar with tango, for me this was an extraordinary find, because it introduced me to one of the greatest idols, not only in Latin America, but in much of the world. Someone who became an icon and a reference for the music of the South American continent. It is worth mentioning that not only tango, there were many milongas and other rhythms that he played.

Born with the name of Charles Romuald Gardes, son of a French mother, his place of birth is an unknown that is still under discussion today, as there are those who claim, with evidence, that he was born in Toulouse, France, and those who claim, with evidence also, that the place of birth is Tacuarembó, in Uruguay.

In any case, what is a fact is that he lived first in Montevideo, Uruguay, and then in Buenos Aires, Argentina, a hard childhood and a youth linked to activities that led him to be arrested on several occasions.

In the Argentine capital he lived in the area of ​​theaters, which is why he soon got different jobs in that area, sometimes in exchange for attending the shows. And it is at this time that he begins to let his voice be heard at family gatherings, at street corners (which throughout Latin America have been a meeting point for young people in the neighborhood) and in nightclubs of not very good reputation.

It is in those places where he begins to use the pseudonym «El morocho», which in Argentina and some other countries refers to a white race person, but with dark skin and hair.

Source – Fuente – Quelle

The tango began to acquire the personality that we know today, which has elements of «danceable sadness», of melodrama, of reproach and relief. In addition, a large part of the language used in those songs was Lunfardo, which due to the background we mentioned about Gardel, must have been very close to his everyday language.

The language and themes of tango must have been two of the elements that developed the preference for tango in young Gardel. But his personal style of singing it was what gave the final impetus to him as a singer and the musical genre. The fever of the tango was unleashed in the voice of this artist.

From 1917 to 1925 his singing sprang up from the duo he had with José Razzano (known as Gardel / Razzano), but due to an illness of the second, Gardel went alone to Europe for a tour and is the final impulse for his international fame.

Tango fever and Gardel’s fame also reached the cinema, where, although his histrionic skills were not at all enviable, the films traveled the continent quickly and with extraordinary success. For that reason he made films in Argentina, Europe and the United States.

On June 24, 1935, a strange and mysterious accident ended the life of this singer. He thus became an icon that lasts to this day. So it was also for me. Thanks to the serenades Carlos Gardel became part of #MyMusic.

Music at the end of this post!

Español

Hace un par de meses les conté acerca de cómo yo empecé a tocar serenatas (ver la publicación). En esos tiempos estuve escuchando todo tipo de música que nos permitiera ampliar nuestro repertorio para llevar a las ventanas y puertas de las damas elegidas. Aunque nuestra intención no era enamorar, sino entretener musicalmente, como es de imaginarse, hubo más de una persona que “malinterpretó” nuestra labor de juglares… Pero el tema principal de todas las canciones era el mismo: el amor.

En esos días alguien me sugirió una canción, de la cual encontré muchísimas versiones, pero mi costumbre casi siempre era buscar la original. El título de la pieza musical: “El día que me quieras” y el intérprete original: Carlos Gardel.

Source – Fuente – Quelle

Aunque yo estaba familiarizado de antemano con el tango, para mí este fue un hallazgo extraordinario, porque me presentó a uno de los más grandes ídolos, no solo de América Latina, sino de gran parte del mundo. Alguien que se convirtió en un ícono y referente de la música del sur del continente americano. Valga decir que no solo del tango, pues fueron numerosas las milongas y otros ritmos que interpretó.

Nacido con el nombre de Charles Romuald Gardes, hijo de madre francesa, su lugar de nacimiento es una incógnita que sigue en discusión hoy en día, pues hay quienes afirman, con pruebas, que nació en Toulouse, Francia, y los que aseguran, con pruebas también, que el lugar de nacimiento es Tacuarembó, en Uruguay.

En cualquier caso, lo que sí es un hecho, es que vivió primero en Montevideo, Uruguay, y luego en Buenos Aires, Argentina, una infancia dura y una juventud ligada a actividades que lo llevaron a ser arrestado en varias ocasiones.

En la capital argentina vivió en la zona de los teatros, razón por la cual muy pronto consiguió distintos trabajos en ese medio, en ocasiones a cambio de poder asistir a los espectáculos. Y es en esa época cuando empieza dejar escuchar su voz en las reuniones familiares, en las esquinas (que en toda latinoamérica han sido punto de encuentro de los jóvenes del barrio) y en locales nocturnos de no muy buena reputación.

Es en esos locales donde él empieza a utilizar el seudónimo de “El morocho”, que en Argentina y algunos otros países se refiere a una persona de raza blanca, pero con la piel y el cabello oscuro.

Source – Fuente – Quelle

El tango empezaba a adquirir la personalidad que le conocemos hoy, que tiene elementos de “tristeza bailable”, de melodrama, de reproche y desahogo. Además gran parte del lenguaje usado en esas canciones era el Lunfardo, que por los antecedentes que mencionamos de Gardel, deben haber estado muy cerca de su lenguaje cotidiano.

El lenguaje y la temática del tango deben haber sido dos de los elementos que desarrollaron la preferencia por el tango en el joven Gardel. Pero su estilo personal de interpretarlo fue lo que le dio el impulso final a él como cantante y al género musical. La fiebre del tango se desató en la voz de este artista.

Desde 1917 hasta 1925 su cantó brotaba desde el dúo que tenía con José Razzano (conocido como Gardel/Razzano), pero debido a una enfermedad del segundo, Gardel parte solo a Europa para una gira y es el toque final para su fama internacional.

La fiebre del tango y la fama de Gardel también llegó al cine, donde, a pesar de que su capacidad histriónica no era para nada envidiable, las películas recorrían el continente rápidamente y con un éxito extraordinario. Por esa razón hizo cine en Argentina, Europa y los Estados Unidos.

El 24 de junio de 1935, un extraño y misterioso accidente acabó con la vida de este cantante. Se convirtió así en un ícono que perdura hasta nuestros días. Así fue también para mí. Gracias a las serenatas Carlos Gardel pasó a ser parte de #MyMusic.

¡Música al final de esta publicación!

Deutsch

Vor ein paar Monaten habe ich erzählt, wie ich anfing Serenaten zu spielen (Hier kannst du den Beitrag lesen). Zu dieser Zeit hörte ich alle Arten von Musik, die es uns erlauben könnten, unser Repertoire zu erweitern, um es vor den Fenstern und Türen der ausgewählten Damen vorzustellen. Obwohl es nicht unsere Absicht war, die Liebe zu erobern, sondern nur musikalisch zu unterhalten, wie man sich vorstellen kann, gab es mehr als eine Person, die unseren Job als Minnesänger «falsch interpretierte»… Aber das Hauptthema war in jedem Lied das gleiche: die Liebe.

Damals schlug mir jemand ein Lied vor, von dem ich viele Versionen fand, aber fast immer suchte ich nach dem Original. Der Titel des Musikstücks: «El día que me quieras» (Der Tag, an dem du mich liebst) und der ursprüngliche Interpreter: Carlos Gardel.

Source – Fuente – Quelle

Obwohl ich den Tango im Voraus scho kannte, war dies für mich ein außergewöhnlicher Fund, denn er brachte mich mit einem der größten Idol in Lateinamerika und in vielen Teilen der Welt bekannt. Jemand, der zu einer Ikone und Referenz für die Musik des südamerikanischen Kontinents wurde. Es ist erwähnenswert, dass er nicht nur Tango, sondern auch viele Milongas und andere Rhythmen singte.

Geboren mit dem Namen Charles Romuald Gardes, Sohn einer französischen Mutter, ist sein Geburtsort ein Unbekannter, der noch heute diskutiert wird, denn es gibt diejenigen, die mit Nachweis bestätigen, dass er in Toulouse, Frankreich, geboren wurde, und diejenigen, die mit Beweisen versichern, dass der Geburtsort Tacuarembó in Uruguay ist.

Tatsache ist jedoch, dass er zuerst in Montevideo (Uruguay) und dann in Buenos Aires (Argentinien) eine harte Kindheit und eine Jugend die mit Aktivitäten verbunden war, die ihn mehrfach verhaftet hatten, lebte.

In der argentinischen Hauptstadt lebte er in der Gegend von Theatern, weshalb er bald verschiedene Jobs in diesen Bereich bekam, manchmal als Gegenleistung für Eintrittskarten für die Shows. Zu dieser Zeit beginnt er, seine Stimme hören zu lassen, bei Familientreffen, an Straßenecken (die in ganz Lateinamerika ein Treffpunkt für junge Leute in der Nachbarschaft waren) und in Nachtclubs mit nicht sehr gutem Ruf.

Es ist da, wo er anfängt, das Pseudonym «El morocho» zu verwenden, was in Argentinien und einigen anderen Ländern von einer weißen Rassenperson, jedoch mit dunkler Haut und dunklen Haaren betrifft.

Der Tango begann, die Persönlichkeit zu erwerben, die wir heute kennen, mit Elementen der «tanzbaren Traurigkeit», des Melodramas, des Vorwurfs und der Erleichterung. Ein großer Teil der in diesen Liedern verwendeten Sprache war Lunfardo, die aufgrund des von Gardel erwähnten Hintergrundes sehr nahe zur Alltagssprache bei ihm gewesen sein muss.

Diese Sprache und die Themen des Tangos müssen zwei der Elemente gewesen sein, die die Vorliebe für Tango im jungen Gardel entwickelt haben. Aber sein persönlicher Gesangsstil gab ihm als Sänger und dem musikalischen Genre den letzten Anstoß. Das Fieber des Tangos wurde in der Stimme dieses Künstlers ausgelöst.

Von 1917 bis 1925 entstand sein Gesang aus dem Duo, das er mit José Razzano (bekannt als Gardel / Razzano) hatte. Aufgrund einer Erkrankung des zweitens ging Gardel alleine auf eine Tournee nach Europa und das ist der letzte Impuls für seinen internationalen Ruhm .

<Source – Fuente – Quelle

Tangofieber und Gardels Berühmtheit erreichten auch das Kino, in dem die Filme, obwohl seine Schauspielfähigkeiten nicht beneidenswert waren, den Kontinent schnell und mit außergewöhnlichem Erfolg bereisten. Aus diesem Grund drehte er Filme in Argentinien, Europa und den USA.

Am 24. Juni 1935 beendete ein seltsamer und mysteriöser Unfall das Leben dieses Sängers. So wurde er zu einer Ikone, die bis heute andauert. So war es auch für mich. Dank der Serenaden wurde Carlos Gardel Teil von #MyMusic.

Music – Música – Musik

El día que me quieras


Volver


Mi Buenos Aires querido


Guitarra, guitarra mía


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Ángel Canales in #danceweekend

Two days ago I posted a song on @Dsound (listen), which I recorded several years ago. In this post I said that I would soon write about the original singer of this song, one that I like very much. To take the opportunity that the music he has always made is for dancing, I thought the ideal moment would be today for this release, which has the hashtag #danceweekend.

So, let’s go! Born in the city of Santurce in Puerto Rico, he moved to New York, where he made his career as a percussionist and later as a singer. Because of his music, the way he dressed, and how he moved on stage, he was nicknamed «El Diferente» (The Different): Ángel Canales.

Angel-Canales.jpg

Source – Fuente – Quelle


Versión en español más abajo
Deutsche Version weiter unten

But the whole career of Canales is different. But let’s start with the «normal». The Wikipedia in Spanish says about him:

He was born in Santurce, Puerto Rico. At the age of eight he moved with his family to New York, where he lived in East Harlem. From an early age he received a great musical influence from the music of Cortijo and his combo and from Ismael Rivera, who influenced him most as a musician.

He started as Timbalero (Playing the Timbales) in a band led by guitarist Luis Torres. In Ray Jay’s orchestra, he made his debut as a singer when he had to replace the original singer. Then he joined the group of Mark Dimond, the former pianist of Willie Colón. The group later changed its name to «Ángel Canales y Sabor».

Before Ángel Canales became a musician, he worked in a jewelry store and learned this profession until he became a diamond grinder. And this is one of the aspects that should be emphasized that he himself begins to invest in his musical project (and when I say invest, it is «seriously investing»). From his income as a jeweler, he decided to boost his musical career.

Canales began to produce his albums with the label he had made for that purpose: Selanac (his last name reversed) and begins a hard promotion without paying Payola, with some of the best musicians in the New York scene. In this payroll were two musicians, whom I admired very much. One of them has little information on the internet, but besides that he is an extraordinary bassist and cellist, he is also a wonderful arranger: Henry Robinson Junior III. The other is the trumpeter Steve Guttman, who also became, after completing his internship for Salsa, the musical director of the group Blood, Sweat & Tears (or BS&T).

Canales liked the sound of jazz players and the power of improvisation, as well as the harmonic and melodic concepts they used (always with the baritone sax as a rhythmic and melodic guide). These elements became as part of a very danceable repertoire the hallmark of Ángel Canales’ music.

The first song I heard (and danced) by Canales was a very commercial song played at all the parties in the neighborhood I lived in, a composition by the singer, «Kung Fu Karate».

I quote once more a sentence that I referred to in my earlier publication:

Someone in front of whom it is difficult to remain neutral, without a posture. Many love him, others hate him.him.

This is Angel Canales! With nine albums financed by him, but due to his success, they were distributed by the most important labels of the moment. Despite the success in many Latin American countries, as there was no backup company, there were few tours outside the United States.

Music at the end of this post!

Español

Anteayer publiqué una canción en @Dsound (escucharla), la cual grabé hace algunos años. En ese post decía que pronto les hablaría del intérprete original, el cual a mí me gusta mucho. Así que, aprovechando que la música que él ha hecho siempre es para bailar, pensé que el momento ideal sería hoy, para esta publicación que lleva la etiqueta #danceweekend.

Así que aquí voy. Nacido en la ciudad de Santurce en Puerto Rico, luego se mudó a Nueva York y allá hizo su carrera como percusionista primero y como cantante después. Por la música que hacía, por la forma de vestir y por la manera de moverse en escena, se ganó el calificativo de “El Diferente”: Ángel Canales.

Source – Fuente – Quelle

Pero toda la carrera de este personaje tan particular es diferente. Pero empecemos por lo “normal”. Di ce la Wikipedia en español acerca de él:

Nació en Santurce, Puerto Rico. A los ocho años se mudó con su familia a Nueva York donde vivió en el East Harlem. Recibió desde pequeño gran influencia musical siendo la música de Cortijo y su Combo y la de Ismael Rivera las que más lo marcaron como músico.

Se inició como timbalero en una banda dirigida por el guitarrista Luis Torres. En la orquesta de Ray Jay debutó como cantante cuando tuvo que reemplazar al vocalista. Luego se unió al grupo de Mark Dimond, ex pianista de Willie Colón. El grupo luego se cambió el nombre a «Ángel Canales y Sabor».

Ángel Canales antes de convertirse en músico, había entrado a trabajar en una joyería y aprendió ese oficio, hasta convertirse en tallador de diamantes. Y este es uno de los aspectos a resaltar, que él mismo empieza a invertir en su proyecto musical (y cuando digo invertir, es “invertir en serio”). De sus ingresos como joyero decidió impulsar su carrera musical.

Canales empezó a producir sus discos con el sello que él mismo formó para tal fin: Selanac (que es su apellido invertido) y empieza una dura promoción sin pagar payola y con algunos de los mejores músicos de la escena neoyorquina. De hecho, en esa nómina estuvieron dos músicos que yo he admirado mucho. De uno de ellos es muy poca la información que se consigue en internet, pero es un abjista y chelista excepcional, además de un arreglista de altura: Henry Robinson Junior III. El otro es el trompetista Steve Guttman, quien luego de su pasantía por la salsa terminó siendo el director musical del grupo Blood, Sweat & Tears (o BST).

A Canales le gustaba el sonido de los jazzistas y la fuerza en la improvisación, además de los conceptos armónicos y melódicos que usaban (Siempre con el saxo barítono como guía rítmico y melódico). Estos elementos, en un marco de un repertorio altamente bailable, se convirtieron en sello distintivo de la música de Ángel Canales.

El primer tema que yo escuché (y bailé) de Canales, fue uno bastante comercial que sonaba en todas las fiestas del barrio donde yo vivía, una composición del propio cantante: “Kung Fu Karate”.

Vuelvo a citar una frase que utilicé para referirme a él en mi publicación anterior:

Alguien frente a quien es difícil permanecer neutro, sin una postura. Muchos lo aman, otros lo detestan.

¡Ese es Ángel Canales! Con nueve producciones discográficas financiadas por él mismo, pero que debido al éxito que tuvo, fueron distribuidas por las principales disqueras del momento. A pesar del éxito que tuvo en muchos países latinoamericanos, por no contar con una empresa de respaldo, solo tuvo unas pocas giras fuera de Estados Unidos.

¡Música al final de esta publicación!

Deutsch

Vorgestern habe ich einen Song auf @Dsound gepostet (zuhören), den ich vor einigen Jahren aufgenommen habe. In diesem Post sagte ich, dass ich bald von dem ursprünglichen Sänger dieses Liedes erzählen würde, einer der mir sehr gefällt. Um die Gelegenheit zu nutzen, dass die Musik, die er immer gemacht hat, zum Tanzen dient, dachte ich, dass der ideale Moment heute sein würde, für diese Veröffentlichung, die das Hashtag #danceweekend trägt.

Also los gehts. In der Stadt Santurce in Puerto Rico geboren, zog er nach New York und machte dort seine Karriere als Perkussionist und später als Sänger. Aufgrund seiner Musik, der Art und Weise, wie er sich kleidete und wie er sich auf der Bühne bewegte, erhielt er den Spitznamen «El Diferente» (Der verschiedene): Ángel Canales.

Source – Fuente – Quelle

Aber die gesamte Karriere von Canales ist verschieden. Aber fangen wir mit dem «Normalen» an. Die Wikipedia in Spanisch sagt über ihn:

Er wurde in Santurce, Puerto Rico, geboren. Mit acht Jahren zog er mit seiner Familie nach New York, wo er in East Harlem lebte. Von klein ab erhielt er einem großen musikalischen Einfluss der Musik von Cortijo und sein Combo und von Ismael Rivera, die ihn als Musiker am meisten prägten.

Er begann als Timbalero (Spielte die Timbales) in einer Band, die von Gitarrist Luis Torres geleitet wurde. In Ray Jays Orchester debütierte er als Sänger, als er den originallen Sänger ersetzen musste. Dann schloss er sich der Gruppe von Mark Dimond an, dem ehemaligen Pianisten von Willie Colón. Die Gruppe änderte später ihren Namen in «Ángel Canales y Sabor».

Bevor Ángel Canales Musiker wurde, arbeitete er in einem Juweliergeschäft und lernte diesen Beruf, bis er Diamantschleifer wurde. Und dies ist einer der Aspekte, die hervorzuheben sind, dass er selbst in sein musikalisches Projekt zu investieren beginnt (und wenn ich sage zu investieren, ist es «ernsthaft investieren»). Von seinem Einkommen als Juwelier entschied er sich, seine musikalische Karriere zu steigern.

Canales began seine Alben mit seinem Label zu produzieren, das er zu diesem Zweck selbst gebildet hatte: Selanac (sein Nachname umgekehrt) und beginnt eine harte Beförderung, ohne Payola zu bezahlen und mit einigen der besten Musiker der New Yorker Szene. In dieser Gehaltsliste befanden sich zwei Musiker, die ich sehr bewundert habe. Über einen von ihnen gibt es kaum Informationen im Internet, aber außerdem dass er ein außergewöhnlicher Bassist und Cellist ist, ist er auch ein wunderbarer Arrangeur: Henry Robinson Junior III. Der andere ist der Trompeter Steve Guttman, der nach seinem Praktikum für Salsa, auch der musikalische Leiter der Gruppe Blood, Sweat & Tears (oder BS&T) wurde.

Canales mochte den Klang der Jazzspieler und die Stärke der Improvisation sowie die harmonischen und melodischen Konzepte, die sie verwendeten (Immer mit dem Baritonsax als rhythmischer und melodischer Leitfaden). Diese Elemente wurden im Rahmen eines sehr tanzbaren Repertoires zum Markenzeichen von Ángel Canales ‘Musik.

Das erste Lied, das ich von Canales hörte (und tanzte), war ein sehr kommerzielles Lied, das auf allen Partys der Nachbarschaft in der ich lebte gespielt wurde, eine Komposition des Sängers, «Kung Fu Karate».

Ich zitiere noch einmal einen Satz, den ich in meiner früheren Veröffentlichung auf ihn verwiesen habe:

Jemand, vor dem es schwierig ist, ohne Haltung, neutral zu bleiben. Viele lieben ihn, andere hassen ihn.

Das ist Angel Canales! Mit neun von ihm finanzierten Alben, aber aufgrund seines Erfolges, wurden sie von den wichtigsten Labels des Augenblicks verteilt. Trotz des Erfolgs in vielen lateinamerikanischen Ländern, da es keine Backup-Firma gab, gab es nur wenige Touren außerhalb der Vereinigten Staaten.

Music – Música – Musik

Kung Fu Karate


Sentimiento del latino en Nueva York


Nostalgia (Live)


Bomba Carambomba (Live)


Dos gardenias


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Pablo Milanés in #MyMusic

Empezando este año les hables de Silvio Rodríguez (puedes leer el post aquí, un o de los músicos cubanos más importantes de los últimos tiempos y a quien tuve el gusto de conocer desde sus inicios. El fue uno de los iniciadores del movimiento de la Nueva Trova cubana, un movimiento importante que surgió entre finales de los sesenta y principios de los años 70. Pero junto a su nombre hubo otro con la misma importancia y peso histórico: Pablo Milanés.

Fuente


English version available soon!
Deutsche Version bald zur Verfügung

Silvio, Noél y Pablo {Fuente

Hubo un tercer cantautor que completaba la trilogía de fundadores de ese movimiento, el tercero era Noél Nicola. Cada uno con su estilo, cada uno con su prosa particular y cada uno con su sonido, pero que juntos dieron vida a un proyecto que marcó la historia de la música.

La formación musical y los inicios musicales de Pablo estuvieron mu cerca de las raíces tradicionales de la música cubana y de un movimiento musical que surgió en los años 40, conocido como feeling. Esta era una especie de fusión de la tradición que había establecido el bolero, con todo su bagaje romántico, y los conceptos modernos de armonía que imponía el jazz.. Quizá por esa misma razón es que el repertorio poético de Pablo Milanés está mucho más cerca de lo romántico que el de los otros compañeros de camino, quienes también le han cantado con énfasis al amor, pues sin duda es este uno de los temas que destacan dentro de la lírica de la Nueva Trova. Pero con Pablo adquiere una dimensión más profunda y es uno de sus temas centrales en sus composiciones durante una carrera de más de 50 años.

Aunque con una posición crítica, ha sido un defensor constante de la revolución cubana, a la cual le ha dedicado una gran parte de sus repertorio.

Musicalmente ha sido mucho más abierto a los versiones o covers y homenajes a autores y repertorios tradicionales.

Pablo, Mercedes Sosa y Marcelo Krass [Fuente]

Con una poesía sencilla y directa, así como una líneas melódicas fácilmente digeribles, el repertorio de este cantautor cubano ha sabido ganarse seguidores en todo el mundo y ha sabido mantenersse viegnte durante estas 5 décadas.

Sus presentaciones incluyen los principales teatros del mundo y ha cantado junto a las más destacadas figuras del mundo musical, lo que incluye colaboraciones con gente como Silvio Rodríguez, Ana Belén, Carlos Varela, Fito Páez, Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Lilia Vera, Maná, Ricardo Arjona, Los Van Van y Víctor Manuel, entre otros.

Fuente

Pablo pasó a forma parte de los sonidos que acompañaron toda mi vida. Sin embargo no logro recordar exactamente en qué año lo conocí. Al igual que a Silvio, lo recuerdo en Berlín y en Moscú y posteriormente nos vimos en infinidad de ocasiones en Venezuela y en México.

Por cierto, ahora que menciono México, tengo una anécdota que me marcó de por vida.

En el año 1978 estuve visitando a mi hermana Hely, quien es una cantante con una notable trayectoria y de quien les hablé en mi publicación Hely Orsini, una historia, un disco, una canción. Durante esos años ella estaba viviendo en México y haciendo su carrera musical allá.

En los días que pasé en su casa, me invita a un evento donde iba a cantar, el Festival de la nueva canción latinoamericana, que contaba con un cartel de invitados excepcionales, todos de prestigio internacional, tal como el caso de Pablo y muchos más. Como fui invitado por ella, tuve acceso al backstage del evento, donde tuve el gusto de saludar y conocer a algunas de las estrellas de ese movimiento musical.

En un momento ella se me acerca y me dice: “ven que hay alguien que te quiere saludar”. Yo voy con ella y entramos a un camerino. Cuando veo que un hombre moreno se levanta y emocionado viene a darme un abrazo y me saluda: “¡Ylich, hermano, que gusto verte! Yo estaba totalmente desubicado y no sabía qué hacer pues no sabía de quién se trataba.

Al notar mi expresión, él me dice: “¿Chico, no te acuerdas de mí? ¡Yo soy Pablo Milanés!” y se echó a reir.

Por qué razón me falló la memoria no lo sé, pero aquella escena me dio tanta vergüenza, que de ahí en adelante desarrollé una memoria impresionante para las caras y los nombres. Porque eso de que a uno lo salude por su nombre un artista de la talla de Pablo y sea uno quien no sepa quién es… es algo que te deja marcado de por vida.

Fuente

Canciones como “Yolanda”, “Yo pisaré las calles nuevamente”, “El breve espacio en que no estás”, “Para vivir”, “De que callada manera” o “La vida no vale nada” se conviertieron en parte del soundtrack de mivida y de muchas otras personas en este planeta. Por eso puedo decir que Pablo Milanés también es parte de #MyMusic.

Music – Música – Musik

Yolanda – Feat. Silvio Rodríguez


Yo pisaré las calles nuevamente


El breve espacio en que no estás


De que callada manera


Para vivir


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2 de febrero – Robo de Niño o Paradura

El 2 de febrero confluyen en Venezuela varias celebraciones que marcan el fin de las celebraciones navideñas. Por lo tanto, en los sitios que hay mayor tradición de navidad se desarrollan estas actividades o celebraciones con mayor énfasis. En la gaita, que es actualmente la música navideña de mayor popularidad, se realiza lo que se llama la “subida de furros”, para indicar que los instrumentos se van a guardar hasta la nueva temporada.

Ese día es tradición en casi todo el país, quitar los adornos de navidad, pesebres, arbolitos y todo elemento asociado a esas celebraciones, tengan carácter religioso o no. Y aclaro ésto, pues aunque el origen de la fiesta es de carácter religioso en alusión al nacimiento del Niño Jesús, esta tradición se ha asentado de una manera que hasta los ateos y de otras religiones tienen sus celebraciones para estas fechas.

Por supuesto, en esos casos no se rigen por todas las pautas que rigen la fiesta, como la relacionada con el 2 de febrero.

Ese día, por el calendario cristiano, se celebra el Día de La Candelaria y en muchas partes del país se celebra de esa manera. Este día corresponde a lo que los cristianos llaman la Purificación de la Virgen, que se refiere a un período después del parto, a una cuarentena. Esta tradición, que viene de las Islas Canarias, se asentó fuertemente en varias regiones país, en los cuales se desarrollaron formas de homenajear a esa virgen, incluyendo entre poblaciones indígenas. Tradiciones significativas y de importancia a nivel cultural.

Pero por otra parte, el 2 de febrero también corresponde al momento en que, según esa misma religión, fue la Presentación de Jesús en el Templo.

Por tener estas dos fuentes de inspiración, esa fecha adquirió una fuerte presencia en las celebraciones religiosas del país y generaron algunas tradiciones interesantes, como la que le da título a esta publicación: La Paradura de Niño o Robo de Niño.

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Inspirados en el hecho de que ese día fue presentado Jesús, los pobladores asumieron que el niño ya se podía parar de la cuna, de allí el nombre de Paradura. Es por eso que el niño es paseado por distintas casas en dicha celebración. En la fiesta hay unos padrinos que son los encargados de cargar al niño en una sábana pequeña, a modo de hamaca. Los padrinos van de casa en casa, en las cuales, de igual manera como sucede en las Parrandas, van cantando e improvisando versos, mientras los anfitriones les van brindando bebidas y comidas. El cura de la parroquia suele aprovechar para bendecir cada casa en la que son recibidos.

Pero esta fiesta, cuya mayor presencia, y posiblemente su origen, está en los Andes venezolanos, tiene una variante. El día 1° de enero “alguien” se roba al niño del pesebre de la parroquia y lo mantiene en su casa. El día 2 de febrero, los vecinos salen a buscar casa por casa. Los dueños de aquella casa que tiene al niño son los encargados de preparar comidas y bebidas para las personas que salen a la búsqueda. En otras palabras, son los anfitriones de la fiesta. Luego de comer y beber en esa casa, van recorriendo las calles y otras casas, cantando villancicos hasta llegar a la Iglesia o el lugar donde se encuentre el pesebre de la parroquia.

Dentro del ritual se rezan plegarias, se encienden las velas (que hacen alusión a la fiesta de las velas o de la Virgen de La Candelaria), se come, se bebe y se canta. De hecho una canción central es la que guía la ceremonia, indicando a los padrinos en qué momento se debe hacer cada una de las acciones.

Esta fecha fue utilizada antiguamente para bendecir el maiz, entre la población indígena que había sido convertida al cristianismo. Razón por la cual eso se asocia con el hecho de dar alimentos en esta fiesta.

Las comidas que suelen acompañar este evento son las mismas de la navidad, donde predominan, las hallacas o bollos y la ensalada de gallina. Las bebidas, al menos en Los Andes y quienes siguen la tradición andina, son preparadas a base de una aguardiente de esa región llamado miche, así como la famosa chicha andina.

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Dada la enorme popularidad de estas fiestas en la región de los Andes, hay muchas personas provenientes de esa zona que han ido popularizando las mismas en otras regiones. Así fue como el pasado 2 de febrero invitaron a mi familia a una Paradura en la misma zona donde vivo. En esta ocasión se realizó en un edificio, por lo que en vez de ir de casa en casa, fuimos a varios apartamentos…

Aunque yo fui como un simple invitado, al verme el músico que habían invitado para tocar allí, José Romero, me dijo: “¡tú no te vas a quedar sin tocar nada, aunque sea el tambor vas a agarrar!”. Y así fue, al final terminé integrado a la parte musical de la celebración.

Allí fuimos testigos y partícipes de una tradición centenaria en nuestras tierras y para muchos un acto de devoción.

Acá les dejo un video que muestra el ambiente musical que tuvimos esa noche, sin ensayo y con la participación de todos los asistentes, como suele suceder siempre.

Más abajo les dejo también uno de los aguinaldos más populares dedicados a la Virgen de La Candelaria, que hace referencia al 2 de febrero, por lo cual suele estar en estas celebraciones. Esta versión está grabada profesionalmente por uno de los grupos más importantes de la música de la costa y de las parrandas de navidad, Un Solo Pueblo.

Paradura en Caracas

Candelaria hermosa – Un Solo Pueblo


Todas las imágenes son de mi propiedad, realizadas con una cámara Sony Cyber-shot DSC-W650

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