Jesús Sevillano in #MyMusic [English – Español – Deutsch]

There are people who throughout their lives hold very firm positions regarding their principles and beliefs, people who, under those circumstances, become worthy examples to admire and emulate.

Jesús Sevillano, is one of those people. Although a doctor by profession, and it is worth saying with great prestige as an obstetrician, has become a benchmark of Venezuelan popular music.


Versión en español más abajo
Deutsche Version weiter unten

Source – Fuente – Quelle

His beginnings in music are in the field of lyrical singing and it is precisely as a tenor that he comes to stand out and be recognized. He was part of the legendary Orfeón Universitario de la UCV ](University Choir of the Central University of Venezuela) and it is precisely there that he becomes the proposal to be part of a vocal musical project that was later called «Quinteto Contrapunto» about whom I spoke to in my post El Quinteto Contrapunto in #mymusic [English – Español – Deutsch].

It is precisely there where the name of Sevillano begins to transcend our borders, with the avant-garde work of this Venezuelan group.

Sevillano was the tenor during the entire existence of the group, including the return they made after 27 years. And he participated in all the discography of the group.

But since the beginning of the quintet, Sevillano has been carving out a name as a soloist, as he was regularly invited to participate as a guest soloist in the aforementioned Orfeón. That career, finished taking flight after the death of Rafael Suárez, that marked the end of a cycle of the Quinteto Contrapunto.

From then on, the name of Jesús Sevillano became more and more present, at the level of radio stations that supported national music, such as presentations and recordings.

Although of classical school, his dedication to the music of traditional Venezuelan root has been almost absolute. Which can be seen in his discography that includes 15 studio albums.

Dedicated to diplomacy for many years, has not abandoned his musical career, which is still active and has also allowed him to make productions in the places where he has been fulfilling functions. Such is the case of the album recorded in the Symphonic Hall of the imposing Auditorium of Tenerife, while serving as Consul of Venezuela in the Canary Islands.

A defender of Venezuelan music, Sevillano knew how to conquer the heart of an entire country that came to consider him the best tenor in the Venezuela. From that feeling he has been projected to the rest of the world.

Music at the end of this post!

Español

Hay personas que durante toda su vida mantienen posiciones muy firmes en cuanto a sus principios y creencias, gente que, bajo esas circunstancias se convierten en ejemplos dignos de admirar y de emular.

Jesús Sevillano, es una de esas personas. Aunque médico de profesión, y valga decir con un gran prestigio como obstetra, se ha convertido en un referente de la música popular venezolana.

Source – Fuente -Quelle

Sus inicios en la música son en el campo del canto lírico y es precisamente como tenor que llega a destacar y a ser reconocido. Formó parte del legendario Orfeón Universitario de la Universidad Central de Venezuela y es precisamente de allí que le viene la proposición de formar parte de un proyecto musical vocal que más adelante se llamó “Quinteto Contrapunto” y del cual les hablé en mi post El Quinteto Contrapunto in #mymusic [English – Español – Deutsch].

Es precisamente allí donde el nombre de Sevillano empieza a trascender nuestras fronteras, con el trabajo vanguardista de esta agrupación venezolana.

Sevillano fue el tenor durante toda la existencia del grupo, incluyendo el retorno que hicieron luego de 27 años. Y participó en toda la discografía del grupo.

Pero desde el comienzo del quinteto, Sevillano se fue labrando un nombre como solista, pues era invitado regularmente a participar como solista invitado en el Orfeón antes mencionado. Esa carrera, terminó de tomar vuelo luego de la muerte de Rafael Suárez, que marcó el fin de un ciclo del Quinteto Contrapunto.

A partir de allí el nombre de Jesús Sevillano se fue haciendo cada vez más presente, a nivel de las emisoras de radio que apoyaban la música nacional, como de presentaciones y la grabación de discos.

Aunque de escuela clásica, su dedicación a la música de raíz tradicional venezolana ha sido casi absoluta. Lo cual se puede comprobar en su discografía que incluye 15 discos de estudio.

Dedicado a la diplomacia desde hace muchos años, no ha abandona su carrera musical, la cual sigue activa y además le ha permitido hacer producciones en los sitios en los que ha estado cumpliendo funciones. Tal es el caso del disco grabado íntegro en la Sala Sinfónica del imponente Auditorio de Tenerife, mientras ejercía en calidad de Cónsul de Venezuela en las Islas Canarias.

Defensor a ultranza de la música venezolana, Sevillano supo conquistar el corazón de todo un país que lo llegó a considerar el mejor tenor del país. Desde ese sentimiento ha sido proyectado al resto del mundo.

¡Música al final de esta publicación!

Deutsch

Es gibt Menschen, die im Laufe ihres Lebens sehr feste Positionen in Bezug auf ihre Prinzipien und Überzeugungen einnehmen, Menschen, die unter diesen Umständen würdige Beispiele für Bewunderung und Nachahmung werden.

Jesús Sevillano ist einer dieser Menschen. Obwohl ein Arzt von Beruf, und es ist es wert zu erwähnen, als Geburtshelfer mit großem Ansehen, ist er zu einem Benchmark der venezolanischen Volksmusik geworden.

Source – Fuente – Quelle

Seine musikalischen Anfänge liegen im Bereich des lyrischen Singens und gerade als Tenor fällt er hervor und wird anerkannt. Er war Teil des legendären Orfeón Universitario de la UCV (Universitätschors der Zentraluniversität von Venezuela), und genau dort bekam er den Vorschlag, Teil eines musikalischen Gesangsprojekts zu werden, das später als «Quinteto Contrapunto» bezeichnet wurde. Ich habe in meinem Beitrag El Quinteto Contrapunto in #mymusic [English – Español – Deutsch] über diese Gruppe gesprochen.

Genau dort beginnt der Name Sevillano, mit der avantgardistischen Arbeit dieser venezolanischen Gruppe, unsere Grenzen zu überschreiten.

Sevillano war der Tenor während der gesamten Existenz der Gruppe, einschließlich der Rückkehr, die sie nach 27 Jahren erzielten. Und er beteiligte sich an der ganzen Diskographie der Gruppe.

Seit dem Beginn des Quintetts hat Sevillano sich einen Namen als Solist gemacht, da er regelmäßig als Gastsolist im oben genannten Orfeón eingeladen wurde. Diese Karriere nahm Flug nach dem Tod von Rafael Suárez, was das Ende eines Zyklus des Quinteto Contrapunto markierte, .

Von da an wurde der Name Jesús Sevillano auf der Ebene von Radiosendern, die nationale Musik unterstützten, wie Präsentationen und Aufnahmen, immer mehr an Bedeutung gewinnen.

Obwohl er sich in der klassischen Schule befand, war sein Engagement für die Musik der traditionellen venezolanischen Wurzeln fast absolut. Was in seiner Diskografie zu sehen ist, die 15 Studioalben umfasst.

Seit vielen Jahren der Diplomatie gewidmet, hat er seine musikalische Laufbahn nicht aufgegeben, die immer noch aktiv ist und es ihm auch ermöglichte, dort zu produzieren, wo er seine Funktionen ausübt. Dies ist der Fall des Albums, das in der Symphonischen Halle des imposanten Auditoriums von Teneriffa aufgenommen wurde, als er auf den Kanarischen Inseln als Konsul von Venezuela diente.

Sevillano, ein Verteidiger der venezolanischen Musik, wusste, wie das Herz eines ganzen Landes zu erobern, das ihn für den besten Tenor Venezuelas hielt. Von diesem Gefühl wurde er auf den Rest der Welt projiziert.

Music – Música – Musik

El Curruchá


Las Brumas del Mar


Alfonsina y el Mar (Argentina)


Criollísima


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De la originalidad del contenido, plagios y otras cosas similares

Últimamente se han levantado muchas polémicas respecto al tema de los plagios, el incumplimiento al derecho de autor, al abuso o equidad de equipos como @steemcleaners o @jaguar.force.

Que una plataforma o red social ofrezca pagarte por generar contenido es algo muy atractivo, pero al mismo tiempo tiene un aspecto que es complejo. El problema está en que, mientras el contenido que estás generando es realmente tuyo, va todo muy bien, pues estás siendo recompensado por tu trabajo. Pero ¿en qué momento deja de ser original el contenido? Ese es el punto donde se vuelve complicado el tema. ¡Veamos!

Hay algunos temas que tienen elementos que son indiscutibles. Por ejemplo, los hechos históricos. Si vamos a hablar de la Segunda Guerra Mundial, esa tuvo unos actores y un período de tiempo y un desenlace que no podemos variar.

Lo mismo pasa, por ejemplo, con temas como “seguridad industrial”. En ese tema hay aspectos que son reiterativos y tan obvios, que es posible que en 20 trabajos distintos, se toquen aspectos muy similares.

Así mismo con una película, la cual tiene unos actores, un director, una trama. Si yo voy a escribir de ella no puedo cambiar esos elementos con miras a que no me acusen de plagio, pues esos son los elementos que la componen.

Copia y pega

A partir de este punto es donde podemos empezar a analizar el asunto. Hay, por supuesto, el plagio abierto y descarado, donde yo copio todo el contenido y se lo pego a mi publicación. En estos casos nos referimos al copy/paste, pues no estoy haciendo ningún aporte. Aunque al final yo haga una reflexión final sobre el tema, ese texto no es de mi autoría y yo DEBO darle crédito al autor original e indicar la fuente. Pero, aún así, ese no es el tipo de contenido que se quiere ver en esta plataforma.

Yo sé de algunos casos de personas que creen que es importante “replicar” ese contenido para que llegue a más lectores y hacen este tipo de práctica con ese fin. Pero vuelvo y repito, desde el nacimiento de Steem como plataforma, se partió de la base que se publicara solo contenido original, nuevos aportes. Es decir, no “replicas”, no “repost”, no “redifusión”.

Si por alguna razón de peso, crees que es importante publicar un contenido extraído de otro sitio web, revista, periódico, o transcripción de un video, en fin cualquier material que no sea tuyo, debes indicar claramente el origen del material, indicar su fuente original. Esa indicación debe prevalecer ante la vista de los usuarios, que no se preste a la más mínima sospecha de que lo estás tratando se hacer pasar por “contenido original”, pues allí aparecerá de nuevo la ley y tendrás que asumir las consecuencias.

Redacción propia

Cuando aclaraba el aspecto de los elemento que componen un tema, era con miras a llegar a este punto. Si yo hablo de la segunda Guerra Mundial, no por eso se me puede acusar de plagio, vasado en el hecho de que yo dije que fue culpa de Hitler, o que empezó en 1939 y terminó en 1945, o que dije que terminó con la liberación de Berlín por parte de las tropas soviéticas.

Pero aquí entra otra forma de plagio, según mi punto de vista. ¿Qué pasa si yo agarro un capítulo cualquiera de esa guerra, lo leo en alguna parte y lo escribo con mis palabras? Si yo no estoy haciendo algún aporte significativo de “interpretación” de los hechos, o saco conclusiones personales. ¿Se puede calificar de original? Pues yo creo que no. Yo puedo analizar un capítulo de esa guerra y emitir mi apreciación acerca de lo que dice el autor del texto (pero aquí nuevamente se hace evidente que debo nombrarlo) y apoyar o contrariar su apreciación. En ese caso estamos hablando de contenido original, pues es mi visión de los hechos en contraposición a la del otro autor.

¡Reescribir una historia de otro no es original!

Ese mismo ejemplo aplica para una crítica de cine. Ahorita han salido cantidad de críticas de Venom, Spiderman into the Spider-verse y muchas otras. Por supuesto, los hechos respecto a ambas películas van a ser los mismos, pero la apreciación no puede serlo. Si tú ves que dos críticas distintas hacen comparación con alguna otra película, o se la imaginan con otro director, o coinciden en cosas que son de una apreciación estrictamente personal, ya sabes que estás frente a un plagio.

Hace poco leía unas recomendaciones para escribir novelas y en internet encontré una publicación donde, para un aspecto muy puntual como puede serlo la descripción de una escena erótica en un novela romántica, daba exactamente las mismas indicaciones que el post que estaba leyendo en Steemit, pero inclusive con los mismos “chistes”, pero eso sí, todo dicho con otras palabras… Me van a disculpar, pero eso para mí es plagio, pues no estás hablando desde tu experiencia, es como que agarres un texto y te pongas a sustituir todas sus palabras con sinónimos…. Puede que eso conlleve mucho trabajo, pero no es un trabajo original y a mi modo de ver, es plagio y no merece una recompensa en esta red. Ni siquiera cuando le des crédito al artículo o al autor original, que en el caso mencionado no lo hacía.

Recientemente discutíamos ese aspecto en uno de los canales de curación de @la-colmena y allí se mencionaba que lo que hací la persona que escribió esa publicación era “parafrasear”. Aquí me permito citar lo que dice la Wikipedia al respecto:

La paráfrasis consiste en decir, con palabras más sencillas y con menos tecnicismos, las ideas propias obtenidas de un texto predeterminado. Así, se facilita su comprensión, ya que se expresa la información original extraída de una forma diferente, bajo el mismo código de comunicación. La paráfrasis es también una forma rápida y sencilla de adquirir conocimientos ya que parafrasear un texto facilita el recordar lo leído.

Wikipedia

No era eso lo que sucedía en el caso antes mencionado, pues el lenguaje era al mismo nivel. Ambos artículos estaban al mismo nivel de lenguaje y tecnicismo (ambos tenían el mismo espíritu no técnico sino más bien didáctico). Es decir que no aplica esa excusa. Esstás tomando una serie de recomendaciones ideadas por otra persona y las estás haciendo pasar por tuyas.

¿Con la música qué?

Acá también se estila algo que la radio nos ha enseñado, que es no respetar el derecho de autor. Afortunadamente (digo, pensando en los infractores), ni @cheetah, ni @steemcleaners, ni @jaguar.force le han entrado a este tema. Pero la radio nos enseñó a darle crédito al intérprete y nunca al autor. Entonces uno habla de “Vivir mi vida” de Marc Anthony, o de “La Gota Fría” de Carlos Vives y cosas así.

Sin embargo el tema de esta publicación es con miras a yuadr a los usuarios de esta red para hacer publicaciones que no incumplan con las normas establecidas y por eso sigo con el siguiente aspecto.

La Fotografía

En este sentido ya hay mucho más conciencia en esta plataforma, pues hace tiempo se viene haciendo una campaña seria para evitar el uso indebido de imágenes. Con “indebido” me refiero a imágenes con derechos de autor. Pero al mencionar que hay más conciencia, no quiere decir que haya claridad, aún se cometen muchos errores o abusos (dependiendo de si es por desconocimiento o ex profeso).

Cualquier imagen que encuentres en internet tiene un creador, que puede querer o no que otras personas las usen. Hay mucho sitios que indican expresamente que se prohibe el uso de las imágenes allí usadas. Aún así encontramos usuarios que ven la foto, les gusta, la copian y la usan. Esto se puede prestar inclusive para demandas legales, y tratándose de Steemit que paga por creación de contenido, tiene un agravante que es un uso indebido para generar ganancias, te estás aprovechando del talento y la obra de otra persona para beneficio propio.

Por eso el primer paso que debes dar antes de publicar una foto es verificar que no tenga esa indicación.

Pero en el otro extremo están los sitios que expresamente indican que las imágenes son para libre uso, inclusive con fines comerciales. Sin embargo, en el momento que publiques tu imagen, debes colocar la fuente, es decir el enlace a donde está esa imagen para que los curadores, los equipos de @steemcleaners o @jaguar.force puedan comprobar que es de allí que las tomaste.

Además, es importante tener en cuenta que las personas que ceden los derechos de esas imágenes, también pueden revocarlos. Por lo tanto es mejjor que tengas el enlace a donde estuvo originalmente esa imagen, para evitarte posible problemas en el futuro, si el fotógrafo cambia de opinión.

Por esto que aacabo de explicar es que es tan importante que la fuente te lleve al sitio web donde está alojada originalmente la imagen y no a la imagen misma o a un buscador.

Dibujando una foto

Recientemente me han llegado quejas de personas que usaron una imagen de internet para hacer sus dibujos y que les “cayeron” los cazadores de plagio para acusarlos. Basados en el hecho de que ellos están haciendo sus propios dibujos, no consideraban que se merecieran eso…

Aquí sucede lo mismo que en el apartado anterior. Toda imagen tiene su derecho de autor y hay que respetarlo.

Si yo hago una réplica de la Mona Lisa, todos van a saber de dónde saqué la imagen, pues es una de las más conocidas a nivel mundial, pero si no es un autor tan conocido nadie se enterará que mi obra no es original. Pero si yo no indico quién es el autor original y alguien más lo hace, pues me puede acusar de plagio, pues eso es lo que es.

Si yo, a manera de estudio, voy a replicar la obra de otro, sea una foto u otro dibujo, debo darle crédito.

El derecho, siempre el derecho

Entre las quejas que me han llegado respecto a las sanciones que se están aplicando en la plataforma, me han dicho que “no estaban al tanto de eso”, que no sabían que había que colocar el crédito del autor original de la obra. A unoa de las personas con quien conversé le recordé la frase que dice que “el desconocimiento de la ley, no exime de su cumplimiento”. Pero más allá de que eso pueda ser un requisito o no dentro de Steemit, es un problema básico de derecho y de respeto al creador de cada obra.


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Wladimir Wyssozki, ein Russischer Barde

Es gibt Menschen, die es schaffen, die Herzen der Menschen Schritt für Schritt ohne großen Anspruch und ohne absurde Ansprüche zu erobern. Es gibt Künstler, die eine Art und Weise auferlegen, Dinge so authentisch zu sagen oder zu tun, dass sie sich zu einem Trend entwickeln, der sich trotz allem, was sie gegen sie haben, aufdrängt.

Aber dies sind Phänomene, die weit weg vom sogenannten «Show Business», weit weg vom Rampenlicht, weit weg von den Unterhaltungsmagazinen auftreten. Diese werden täglich auf der Straße im täglichen Leben geschmiedet und können ein Muster, eine Art zu tun oder zu sagen erreichen.

Dies ist der Fall des Künstlers, über den ich heute sprechen werde, ein Schauspieler, ein Sänger, ein Dichter, ein Komponist:

Wladimir Wyssozki


¡Version en español disponible aquí!
English version available here!

The most correct term to name his nationality is «Soviet», because he was born and died in that country that was called Union of Soviet Socialist Republics, Soviet Union and was known by the acronym USSR. However, I clarify, yes, he was born in Russia and was Russian by birth (but Russia was only a part, one of the republics of the Soviet Union). In that country was born, formed and created a way to communicate, to «say his things.»

Wladimir Semjonowitsch Wyssozki (Russisch: Владимир Семёнович Высоцкий), war der Sohn eines Soldaten und einer deutsch dolmetscherin. Als Kind lebte er dank der militärischen Karriere seines Vaters in Deutschland. Einmal in die UdSSR zurückgekehrt, und nach seinem Abitur, begann er ein Ingenieurstudium am Moskauer Institut für Bauingenieurwesen. Dort war er nur ein Semester, weil er schon lange zuvor von der Leidenschaft für Theater geweckt worden war.

Sowohl seine Mutter als auch seine Großmutter väterlicherseits waren Theaterliebhaber und beide besuchten Aufführungen in den verschiedenen Theatern der Stadt. Ohne Zweifel da begann diese Leidenschaft zu keimen. Während seines Aufenthalts in Deutschland bekam dank seiner hervorragenden Noten ein Klavier und der Vater setzte ihn in Musik, eine Tätigkeit, die er während seiner drei Jahre in diesem Land machte.

Bevor er die Schule abschloss, schenkte ihm sein Freund Igor Kokhanovsky, der später Dichter und Autor vieler Lieder dieses Landes wurde, eine Gitarre und brachte ihm seine ersten Akkorde bei.

Als er die Ingenieure verließ,machte er es um das zu studieren, was später sein Beruf wurde, Theater. Dafür besuchte er die Nemirowitsch-Dantschenko Theaterschule des Moskauer Kunsttheaters, wo er zwischen 1955 und 1960 studierte.

Seine ersten Schritte waren im Puschkin-Theater, aber seine Karriere glänzte von seinem Einstieg in die Besetzung des Theater für Drama und Komödie in Taganka, eines von die avantgardistischsten, renommiertesten und bekanntesten Theater des Landes. Seine herausragendsten Charaktere in diesem Theater waren Hamlet in seiner Hauptrolle; Der gute Mensch von Sezuan und das Leben von Galilei, diese letzten beiden des deutschen Bertolt Brecht.

Sein Sprung ins Kino ließ nicht auf sich warten und dort triumphierte er in seiner Rolle als Schauspieler und später auch im Musikbereich.

Quelle

Seine Musik

Abgesehen von der Tatsache, dass seine formalen Studien Theater waren, hatte er eine enorme Neigung und Möglichkeit für Musik.

Der Direktor der Taganka, Yuri Lyubimov, sagte, als er Wyssozki zu seinem Cast einlud, sagte er ihm, dass er hätte einige Lieder geschrieben und fragte, ob er sie zuhören wolle. Lyubimov stimmte zu und dachte, mindestens einen zu hören, um vor Wladimir nicht schlecht auszusehen. Die Auswirkung, die sein Repertoire verursachte war so, dass es eineinhalb Stunden lang Konzert wurde.

Anfangs interpretierte Wyssozki seine Lieder nur für seine Freunde in intimen Zusammenkünften. Aber die Persönlichkeit mit der er sang, verursachte eine Wirkung, die bald im theatralischen Medium berühmt wurde.

Zu dieser Zeit war es im musikalischen Bereich üblich, dass es einen Musiker gab, der der Komponist der Melodie war, ein Autor, der die Texte für diese Melodie schrieb, und ein Sänger, der das Lied aufführte. Zumindest in der Sowjetunion wurde nichts anderes gestaltet. Wyssozki brechte mit diesen Paradigmen, weil der Singer-Songwriter nicht existierte. Aus diesem Grund zeigten die sowjetischen Labels trotz des wachsenden Ruhms, den dieser junge Mann gewann, nicht einmal das geringste Interesse.

In Zeiten der Rebellion gibt es immer Möglichkeiten Dinge zu tun, und wir reden über die Zeit wenn «Underground» Musik in Form von Kassetten weltweitverbreitet wurden. Es war durch dieses Instrument, das sein Repertoire in allen Republiken des Landes verbreitet wurde, wo sie ihn als «der Barde» bezeichneten, ein Begriff, den dieser Künstler nicht mochte.

Der Stil und die Art und Weise, wie er sein Repertoire interpretierte, war so einzigartig und persönlich, dass die Spezialisten viele Arbeiten entwickelten, um sein Werk zu definieren.

Die Wikipedia auf Russisch enthält einen Artikel mit dem Titel «Lied und poetische Werke von Wladimir Wyssozki», in dem sie die folgende Beschreibung geben:

Die Lieder und die poetischen Werke von Wladimir Wyssozki werden von den Forschern als einzigartiges künstlerisches Ganzes betrachtet, in dem Text, Musik und Interpretationsstil organisch koexistieren. Der Dichter wurde zunächst als Autor von Land- und Straßenliedern berühmt. Seit Mitte der 1960er Jahre begannen sich die Themen seiner Werke zu erweitern, die Anzahl der Helden von Liedern und Bildern nahm zu; Dank der neuen Masken und Handlungen wurde eine neue «Enzyklopädie des russischen Lebens» im sowjetischen Stil geschaffen. Die Texte der ersten Hälfte der 70er Jahre waren stark von Wyssozkis Arbeit am Abbild Hamlets im Theaterstück Taganka beeinflusst. In dieser Zeit tauchten konfessionelle Intonationen in den Texten des Dichters auf, und der Autor begann sich immer häufiger mit den ewigen Fragen des Seins zu beschäftigen. Alle Erfolge dieser bedingten kreativen Stufen kamen in den letzten Jahren von Wyssozkis Leben zusammen. Seine Lieder, die in der zweiten Hälfte der 70er Jahre geschrieben wurden, werden von hochrangigen Gelehrten als «Synthesedichtung» bezeichnet.

Wikipedia

Seine Texte

Eine der Eigenschaften seiner Songs, die zu seinem enormen Erfolg beigetragen haben, war der Inhalt der Texte, die alle vorstellbaren Themen spielten. Alles, was ein Sowjetbürger leben konnte, spiegelte sich in einigen seiner Lieder wider, von den kritischen Aspekten bis zu den alltäglichen Problemen wie Liebe, Freundschaft, Tod.


In 1974, after being known throughout the country, is the state record label Melodiya, publishes his first album, a collection of songs, under the title «Избранное» (Favorites), which were already sung by all youth.

1974, nachdem er schon im ganzen Land bekannt war, veröffentlichte das staatliche Plattenlabel Melodiya sein erstes Album, eine Sammlung von Liedern unter dem Titel «Избранное» (Favoriten), die bereits von allen Jugendlichen gesungen wurden.

Wladimirs Tod ereignete sich 1980 in einem sehr jungen Alter, kaum 42 Jahre alt. Herzprobleme plus anstrengenden Arbeitsweise, und der übermäßige Konsum von Substanzen wie Alkohol, Drogen und Tabak erzeugte dieses Ergebnis in einer mysteriösen Umgebung die unter der Polizei Verdacht erregte, aber das aus Mangel an Beweisen verworfen werden musste.

Nach seinem Tod erhielt Wladimir Wyssozki alle Arten von Ehrungen und Anerkennungen.

Der 25. Januar hätte sein 81. Geburtstag sein sollen. Diene dieser Beitrag als Tribut an seine Arbeit.

Als merkwürdige Tatsache ist zu beachten, dass er die klassische Russische Gitarre verwendete, die der spanischen sehr ähnelt, jedoch mit 7 Saiten, die D-G-B-D-G-B-C abgestimmt werden. Dieser Singer-Songwriter reduzierte jedoch einen Ton, so dass der Klang charakteristischer war. Fast sein gesamtes Repertoire ist in Moll geschrieben, meist in A-Moll.

Es ärgerte Wyssozki wenn jemand ihm verlangte, seine Gitarre zu stimmen, weshalb bei vielen Aufnahmen das Instrument mehr oder weniger gestimmt ist.

Quelle

Musik

Кони привередливые (Pferde anspruchsvoll)


Утренняя гимнастика (Morgengymnastik)


Братские могилы (Massengräber)


Прощание с горами (Abschied von den Bergen)

From film “Vertical”, 1967


Filmographie bei IMDB


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Vladimir Vysotski, un bardo ruso

Hay personas que logran ganarse el corazón de la gente a pulso, paso a paso, sin mayores aspiraciones y sin pretensiones absurdas. Hay artistas que van imponiendo una manera de decir o de hacer las cosas de manera tan auténtica que se van convirtiendo en una tendencia, que se imponen, a pesar de todo lo que pudieran tener en su contra.

Pero estos son fenómenos que se dan lejos del llamado “Show Business”, lejos de las candilejas, lejos de las revistas de farándula. Estas se van forjando en la calle, en el día a día, en la cotidianidad y pueden llegar a marcar una pauta, una forma de hacer o decir.

Este es el caso del artista de quien voy a hablar hoy, un actor, un cantante, un compositor:

Vladimir Vysotski

Fuente

El término más correcto para nombrar su nacionalidad es “soviético”, pues nació y murió en ese país que llevó por nombre Unión de Repúblicas Socialista Soviéticas, Unión Soviética y se conoció con las siglas URSS. Sin embargo, aclaro, sí, nació en Rusia y es ruso de nacimiento (pero Rusia solo era una parte, una de las repúblicas de la Unión Soviética). En ese país nació, se formó y creó una forma de comunicarse, de “decir sus cosas”.

Vladímir Semiónovich Vysotski (en ruso: Владимир Семёнович Высоцкий), fue hijo de un militar y de una traductora de alemán. De niño vivió en Alemania, gracias a la carrera militar de su padre. Pero una de vez de regreso a la URSS y luego de terminar su bachillerato, inició estudios de ingeniería en el Instituto Universitario de Ingeniería Civil de Moscú, pero allí estuvo solo un semestre, pues mucho antes de eso ya se le había despertado la pasión por el teatro.

Tanto su madre, como su abuela paterna eran amantes del teatro y con ambas solía asistir a representaciones en los distintos teatros de la ciudad. Sin duda allí empezó a germinar esa pasión. Pero durante su estancia en Alemania, gracias a sus excelentes notas, el papá consiguió un piano y lo puso en actividades musicales, actividad que realizó los tres años que estuvo en ese país.

Antes de terminar la escuela, su amigo, quien a la postre se convirtió en poeta y autor de muchas letras de canciones del país, le regaló una guitarra y fue quien le enseño sus primero acordes.

Cuando dejó la ingeniería fue para entrar a estudiar lo que se convirtió en su profesión, el teatro. Para ello ingresó a la Escuela Estudio Nemiróvich-Dánchenko del Teatro del Arte de Moscú, donde hizo sus estudios entre 1955 y 1960.

Sus primero pasos fueron en el teatro Pushkin, pero su carrera brilló a partir de su ingreso al elenco del Teatro de Drama y Comedia en la Taganka, una de los teatros más vanguardistas, renombrados y destacados del país. Sus personajes más destacados en ese teatro fueron Hamlet, en su papel protagónico; El Alma Buena de Sezuan y La Vida de Galileo, estas dos últimas del alemán Bertolt Brecht.

Su salto al cine no se hizo esperar y allí triunfó ampliamente, en su rol de actor y más adelante también en la parte musica.

Fuente

La música

Apartando el hecho de que sus estudios formales fueron de teatro, tenía una inclinación y una facilidad enorme para la música.

El director del Taganka, Yuri Lyubimov, contaba que cuando él invitó a Vysotski a integrarse a su elenco, éste le comentó que había escrito algunas canciones y le preguntó si quería escucharlas. Lyubimov aceptó y pensó en escuchar al menos una, para no quedar mal ante Vladimir. El impacto que causó su repertorio fue tal, que aquello se convirtió en un recital de hora y media.

Inicialmente Vysotski solo interpretaba sus canciones para sus amigos, en reuniones íntimas. Pero la personalidad que tenía cantando iba causando un efecto que pronto hizo crecer su fama en todo el ámbito teatral.

En ese tiempo, en el campo musical, lo usual era que hubiera un músico que era el compositor de la melodía, un autor encargado de escribir la letra para esa melodía y un cantante que era el encargado de interpretar la canción. Al menos en la Unión Soviética no se estilaba otra cosa. Ya por ahí empieza Vysotski a romper con los paradigmas, pues no existía la imagen del cantautor. Por esta razón, a pesar de la creciente fama que se estaba ganando este joven, las disqueras soviéticas no mostraron ni el más mínimo interés.

En tiempos de rebeldía siempre se encuentran las maneras de hacer las cosas y estamos hablando de la época en que los cassettes se convirtieron en todo el mundo en la forma de difundir la música “underground”. Y fue esta herramienta la que hizo que su repertorio se empezara a difundir por todas las repúblicas que conformaban el país, donde empezaron a catalogarlo como “El Bardo”, término que no le gustaba a este artista.

El estilo y la manera de interpretar su repertorio fue algo tan único y personal que los especialistas han desarrollado muchos trabajos para definir su obra.

La Wikipedia en ruso contiene un artículo que lleva por título “Canción y obras poéticas de Vladimir Vysotsky”, en el cual dan la siguiente descripción:

Las canciones y las obras poéticas de Vladimir Vysotsky son consideradas por los investigadores como un todo artístico único, en el que el texto, la música y el estilo de interpretación coexisten orgánicamente. El poeta ganó fama inicial como autor de canciones de campo y callejeras. Desde mediados de la década de 1960, los temas de sus obras comenzaron a expandirse, el número de héroes de canciones e imágenes aumentó; Gracias a las nuevas máscaras y tramas, se ha creado una nueva «enciclopedia de la vida rusa» al estilo soviético. La letra de la primera mitad de la década de 1970 estuvo muy influenciada por el trabajo de Vysotsky sobre la imagen de Hamlet en la obra en el teatro Taganka. Durante este período aparecieron entonaciones confesionales en los textos del poeta, el autor comenzó a recurrir con más frecuencia a las preguntas eternas del ser. Todos los logros de estas etapas creativas condicionales se unieron en los últimos años de la vida de Vysotsky; Sus canciones, escritas en la segunda mitad de la década de 1970, son descritas por académicos de alto rango como «poesía de síntesis».

Wikipedia


En 1974, después de ser conocido en todo el país, es que el estatal sello disquero Melodiya, edita su primer disco, una recopilación de canciones, bajo el título “Избранное” (Favoritas), las cuales ya eran cantadas por toda la juventud.

La muerte de Vladimir se produjo a muy temparana edad, apenas 42 años, en 1980. Problemas cardíacos sumados a un tren de trabajo extenuante y el consumo excesivo de sustancias como alcohol, drogas y tabaco produjeron este desenlace, en un entorno de misterio que despertó sospechas entre la policía, pero que tuvo que ser descartado por falta de evidencias.

Posterior a su muerte, Vladimir Vysotski recibió todo tipo de homenajes y reconocimientos.

Como datos curiosos, es de hacer notar que Vysotski usaba la clásica “guitarra rusa”, la cual es muy similar a la española, pero con 7 cuerdas, las cuales se afinan de D-G-B-D-G-B-C. Sin embargo, este cantautor la afinaba un tono más abajo, por lo cual el sonido resultaba más característico. Casi todo su repertorio está escrito en modo menor, en su mayoría en Am. A Vysotski le molestaba que le pidieran afinar su guitarra, tazón por la cual en muchas de sus grabaciones se siente el instrumento más o menos afinado.

Música

Кони привередливые (Caballos fastidiosos)


Утренняя гимнастика – Gimnasia matutina


Братские могилы / Fosas comunes


Прощание с горами (Adios a las montañas)

de la película «Vertical», de 1967

¿Como hacer un buen “post”? ¿Que debe contener?

Hay cantidad de usuarios en la plataforma de Steemit preguntándose día a día cómo hacer para que sus publicaciones reciban un apoyo significativo, de qué y cómo escribir para recibir el voto de las comunidades de votación. Cómo hacer para no caer en las “garras” de los perseguidores de plagio (@cheetah, @steemcleaners, etc.).

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Hay muchas personas que empiezan a escribir de un tema y de otro, hacen pruebas por aquí, por allá y al final terminan perdiendo el interés al sentir que no reciben el apoyo.

Por otra parte hay cantidad de personas que se dedican a criticar la forma en que se hace el trabajo de curación en la red, pero, aunque puedan haber muchas fallas en ese sentido, la mayoría de las veces el problema principal radica en la calidad de las publicaciones.

Por esta razón quiero explicar, de manera muy general, qué cosa se considera una “publicación de calidad”, qué elementos la componen y cómo hacerla. Por supuesto, esta es mi apreciación como usuario que ha estado durante una año en la plataforma y como curador dedicado durante ya un tiempo considerable.

Valga decir que mis primeros aprendizajes al respecto fueron en la comunidad de @promo-mentors, en unos talleres de curación para preparar curadores. Los lineamientos por que yo me guío están basados en los que utiliza @curie, aunque con mayor flexibilidad. Por supuesto, todo esto basado en las guías establecidas en el “White Paper” de Steemit, que son el punto de partida definitiva.

¿Por qué usar lineamientos?

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La curación suele ser algo muy subjetivo, pues a cada quien puede gustarle un tema o no, la forma en que fue escrito, si utiliza elementos de diseño, etc., son factores que se prestan a la subjetividad, al gusto personal. De allí mi certeza de que hay que partir de algunas ideas concretas. Así que veamos en primer lugar esos elementos. Entre esos primeros lineamientos emanados de Steemit, está la originalidad del contenido.

Punto 1 – Originalidad

Cuando se habla de originalidad, no se refiere a la forma de escribir el texto, no se refiere a la sintaxis. La originalidad que se pide es en cuanto a contenido, a lo que se va a contar. Repetir una historia 1000 veces contada no es original, a menos que traigas una reinterpretación de la misma, o que cuentes aspectos desconocidos de ella. Puede tratarse de un enfoque crítico hacia la misma.

Sin embargo, puede ser que tu forma de contarla la haga accesible a nuevos públicos. Allí se vuelve contenido original. Puede ocurrir que vincules el hecho narrado con otros aspectos que nunca se había conectado.

En la búsqueda desesperada de “algunos”, por conseguir temas de qué hablar, repiten historias extraídas de otros sitios web y las cuentan con otras palabras (por lo general no le dan crédito al autor original), eso, aunque sea más difícil de detectar en buscadores, es plagio. Y lo es porque el autor no está haciendo ningún aporte al tema, está repitiendo lo que otra persona cree, lo que otro investigó. Se está haciendo eco de la voz de otro.

La originalidad parte de la visión que el autor da sobre el tema que sea. Se trate de un trabajo de investigación científica o una anécdota de lo que fue el último viaje a la playa.

Cada vivencia deja aprendizajes y no todas las publicaciones tienen que ser una monografía. Hay ocasiones en que una simple opinión sobre un tema cotidiano puede ser más contundente que un ensayo. Pero si no es la opinión del autor, su visión, su experiencia, lo que plasma en su post, está desperdiciando una buena oportunidad de “hacer un aporte”, de “ser original”.

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Punto dos – Buena escritura

La buena escritura tiene dos aspectos, como lo son la sintaxis y la ortografía.

Recuerda que uno no puede votar 500 publicaciones al día, por lo cual hay que ser selectivo. En mi caso, yo suelo votar cerca de 10 publicaciones al día, que es promedio ideal para que tu voto tenga el más alto valor. Esa cantidad es lo que votan comunidades como @la-colmena, hay otras que andan cerca de 30 publicaciones por día, pero siempre es un número limitado. Por lo tanto se debe seleccionar lo mejor de lo mejor. Y un texto sin errores de concordancia de género y número, sin errores ortográficos, sin redundancias, con una acentuación adecuada, uso adecuado de los signos de puntuación, con una buena sintaxis, fácilmente comprensible, tiene más probabilidades de ganar ese voto, que una publicación descuidada, cargada de errores.

Más allá del hecho de que una buena ortografía es una exigencia hoy en día, como parte de una cultura general, casi todos los programas de edición de textos traen consigo un sistema de verificación. Por esta razón resulta más que inaceptable un texto con errores de este tipo.

Punto tres – La presentación

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En este momento no me refiero a un “lineamiento”, sino más bien una “condición” que para mí es fundamental. No se trata en este momento del diseño o “maquetación” que se le dé a la publicación, sino algo mucho más sencillo, como lo son los espacios entre párrafos.

Steemit nos ofrece pocas herramientas de diseño y maquetación, por lo que usar de manera adecuada los espacios es una necesidad. Un texto corrido desde el principio al fin es capaz de ahuyentar hasta al lector más interesado. Los escritos necesitan “espacio” para hacerse más atractivos al lector. Por supuesto, esto se puede mejorar más con separadores, con el uso de Markdown para designar títulos y subtítulos, etc.

Más allá de lo mencionado, por supuesto, está toda la parte del diseño y maquetación, para lo cual es fundamental conocer el sistema de etiquetas, ya sea como HTML o Markdown. Pero ese es otro tema, el cual no voy a desarrollar en este escrito.

Lo que sí voy a agregar, aunque tampoco es un lineamiento, es que debes usar al menos una imagen que le dé identidad y se identifique con tu contenido. Recuerda que esa imagen es la que aparece en el “feed” de tus seguidores, así como en las búsquedas y la lista de publicaciones por categorías. Además de ser el identificador en los distintos canales de Discord.

Punto cuatro – Imágenes

En el párrafo anterior me refería a “una” imagen como identificador y la necesidad de incluirla para darle forma a nuestro post. Pero siempre que vayas a usar imágenes, debes incluir la fuente. Inclusive si se trata de imágenes propias, fotos tomadas por ti, debes indicarlo.

Recuerda que los curadores que van a revisar tu publicación no se pueden pasar todo el día tratando de descubrir de dónde salen tus imágenes. Indicar cosas como “Fotos de uso público de Pixabay” no es suficiente, tiene que haber el enlace al sitio donde está la foto en ese sitio web, para que el curador pueda verificar rápidamente. Si la indicación no es clara o el curador no encuentra la fuente, lo más probable es que eche a un lado tu artículo y se vaya a curar uno diferente.

Para ver la explicación completa de cómo y porqué indicar la fuente de la imagen, lee el siguiente artículo haciendo clic aquí.

Punto cinco – El desarrollo de tu tema

Ahora pasamos a ver otros aspectos que no son lineamientos de todas las comunidades, pero que privan en muchos casos.

Hay tres temas que no son votados por muchas comunidades, pues conllevan a tomar posiciones que distan mucho del objetivo principal de esta plataforma. Esos tres temas son política, religión y Steemit. Los dos primeros son temas que se basan en creencias personales, en raíces culturales y son a la vez temas de fácil polémica y apasionamiento, pudiendo generar una conflictividad innecesaria en esta red. En el caso de Steemit, sucede algo similar, sobre todo en momentos tan álgidos como el que estamos viviendo ahorita, donde hay enfrentamientos y señalamientos, en lo cual, votar por un contenido es tomar posición. Por eso, como línea de muchas comunidades (y también de individualidades) no se vota contenido sobre ese tema.

Por supuesto, cualquiera es libre de escribir sobre el tema que quiera. Yo estoy señalando algunos puntos que pueden conllevar a que tu publicación reciba el voto de una comunidad o no.

Volviendo al punto del “desarrollo” del tema (este es un complemento al punto uno), recuerda que esta es una red donde hay un nivel de desarrollo de sus usuarios. Lo digo porque en ocasiones uno puede llegar a encontrar un tutorial de “como pelar mandarinas”. Y descubres que el autor hizo un esfuerzo enorme y sacó fotos, hizo gráficos, desarrolló un texto de 1500 caracteres, etc., y luego se lamenta por no conseguir apoyo.

Lo mismo sucede con publicaciones que apenas nos dan tres indicaciones y pretenden ser un “estudio” o un “tutorial”.

Aunque no hay una norma o cantidad específica de caracteres que sean de uso obligatorio, es mucho más fácil que un curador se fije en un contenido con más de trescientos caracteres. Yo suelo recomendar 500, que es el mínimo que yo suelo usar. Claro está que de debe ser con contenido de calidad y no escribir por escribir como relleno. Pero acá viene al caso traer citas, hacer enlaces a referencias, aclarar expresiones locales. Es importante no perder de vista que no todos los usuarios de Steemit conocen lo que tú conoces, hay distintas nacionalidades, distintas profesiones, distintos niveles culturales y en ocasiones el lector ni siquiera tiene la misma lengua materna tuya. ¡Explica tu texto para todos!

Fuente

Punto seis – Etiquetas

Hay trabajos extensos sobre el tema y hay mucho que discutir al respecto, pero es necesario tomar algunas posiciones en este tema.

Actualmente no existe un consenso en cuanto al uso de la etiquetas, pero si quieres que los lectores lleguen a tu publicación, tienes que hacer el uso más favorable para ese fin.

Es importante entender que la primera etiqueta que le asignamos a nuestro post, se convierte en la categoría en la que quedará publicado. Luego de publicar es imposible cambiar ésta, por lo cual es la clave.

Ya se ha establecido la etiqueta #spanish como la etiqueta principal para los textos en español. En algún momento se han usado y se siguen usando otras como #espanol y #castellano.

Yo creo que es bueno que terminemos de entender #spanish como la categoría principal y que sea la que distinga de manera definitiva el contenido en español.

En una publicación leí la recomendación de instaurar etiquetas como #musica, #arte, #literatura, etc. Esa idea la comparto completamente y creo que debería convertirse en una línea general de los hispanoparlantes. Hay muchas comunidades que exigen el uso de su nombre como etiqueta. Yo respeto esa posición, pero creo que limita la posibilidad de lograr una exposición temática a los escritores.

De cualquier manera, me fui del tema… Lo importante es que aprendas a usar de manera correcta las etiquetas. En el siguiente trabajo puedes leer más acerca del tema. Clic aquí para leer.


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The year of a stubborn / El año de un testarudo / Das Jahr eines Sturköpfigen

A year in the life of a normal person is not the same as a stubborn year. Although in defense of the stubborn possibly come some defenders to say, that this has the quality of perseverance, constancy. The main difference is that the one who is not stubborn, abandons when given sufficient reasons to realize that his goal is not viable. The stubborn, however, insists even against all logic.


Texto en español más abajo

Deutscher Text weiter unten

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But when the headstrong achieves his goal, the value of the achievement multiplies. To be honest, to be stubborn you have to be a little crazy, and genius has a high component of madness. So it is very easy to say that someone is a genius, without taking into account the dose of madness that this requires.

And I know that here we are a few crazy and stubborn people who insist on keeping this platform active, but I refer specifically to myself, because today is one year since I received my account and I made my first publication in Steemit. One year since I received my first vote from @cheetah, who was in charge of letting me know that if I wanted to publish content, I could not even plagiarize myself.

Two votes constituted the balance of my first publication, with my reputation in 25 and my Steempower with 0.500 plus the Steemit delegation. From there to today, just a few tenths of reaching reputation 60 (which will be completed when this text is published), already with my sliding voting bar and about to stop being «plankton» to become «minnow», It is a lot of water that has passed under the bridge.

But I will not talk about the impact that the platform has had on me, because I already did that in the post [My 2018: Achievements and Failures – Refocusing my life](https://steemit.com/blocktradescontest/@ylich/ my-2018-achievements-and-failures-refocusing-my-life) (Yes, it’s only in English). And if that is not enough, five months ago I took stock, which has not changed much in my assessment. For those who want to read it, it is available in The 55-555 excuse to make a balance and some reflexion.

I will just thank the people and communities that I feel have given me special support during this year. Some personally, others through communities, but all have contributed to my stay and growth within the platform. In order not to repeat the list in each translation, I will place it at the end of this publication.

Today is for me a holiday, so to celebrate. I’m going to leave at the end the song that is traditionally sung on all birthdays in Venezuela.

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Español

No es lo mismo un año en la vida de una persona normal y corriente, que la de un testarudo. Aunque en defensa del testarudo posiblemente salgan algunos defensores a decir, que éste tiene la cualidad de la constancia, de la perseverancia. La diferencia principal radica en que el que no es testarudo, abandona cuando se le dan las razones suficientes para darse cuenta de que su meta no es viable. El testarudo, en cambio, insiste aún en contra de toda lógica.

Pero cuando el testarudo logra su objetivo o su meta, el valor del logro se multiplica. Hay que ser honestos, para ser testarudo hay que ser un poco loco, y la genialidad tiene un alto componente de locura. Así que es muy fácil decir que alguien es un genio, sin tomar en consideración la dosis de locura que eso requiere.

Source – Fuente – Quelle

Y sé que somos unos cuantos los locos y testarudos que insistimos en mantenernos en esta plataforma activos, pero yo me refiero a mí caso específicamente, porque hoy se cumple un año desde que recibí mi cuenta e hice mi primera publicación en Steemit. Un año desde que recibí mi primer voto de parte de @cheetah, que fue el encargado de hacerme saber que si quería publicar contenido, no podía plagiarme ni siquiera a mí mismo.

Dos votos constituyeron el saldo de mi primera publicación, con mi reputación en 25 y mi Steempower con 0,500 más la delegación de Steemit. De ahí al día de hoy, a solo unas décimas de llegar a reputación 60 (las cuales se completarán al publicar este texto), ya con mi barra de votación móvil y a punto de dejar de ser “plancton” para convertirme en “pececillo”, es mucha agua la que ha pasado bajo el puente.

Pero no voy a hablar sobre el impacto que la plataforma ha tenido en mí, pues eso ya lo hice en la publicación My 2018: Achievements and Failures – Refocusing my life (Sí, está sollo en inglés). Y si no eso no fuera suficiente hace cinco meses hice un balance, que no ha cambiado mucho en cuanto a mi apreciación. Para los que quieran leerlo, está disponible en 55 – 555 Un balance y una reflexión sobre la plataforma .

Me limitaré a darle las gracias a las personas y comunidades que siento que me han brindado un apoyo especial durante este año. Algunos de manera personal, otros a través de comunidades, pero todos han contribuido a mi permanencia y crecimiento dentro de la plataforma. Para no repetir la lista en cada traducción, voy a colocarla al final de la publicación.

Hoy es para mí un día de fiesta, así que a celebrar. Voy a dejar al final también la canción que por tradición se canta en todos los cumpleaños en Venezuela.

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Deutsch

Ein Jahr im Leben eines normalen Menschen ist nicht dasselbe wie das Jahr eines Sturköpfigen. Obwohl zur Verteidigung der Sturköpfigen möglicherweise einige kommen, um zu sagen, dass dies die Qualität der Ausdauer, Konstanz hat. Der Hauptunterschied besteht darin, dass derjenige, der nicht stur ist, aufgibt, wenn er ausreichende Gründe hat, um zu erkennen, dass sein Ziel nicht durchführbar ist. Der Hartnäckige besteht jedoch auch gegen alle Logik.

Wenn ein Starrkopf sein Ziel erreicht, vervielfacht sich der Wert der Leistung. Um ehrlich zu sein, um hartnäckig zu sein, muss man ein bisschen verrückt sein, und das Genie hat einen hohen Anteil an Wahnsinn. Es ist also leicht zu sagen, dass jemand ein Genie ist, ohne die Dosis Wahnsinn zu berücksichtigen, die dies erfordert.

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Und ich weiß, dass wir hier eine menge verrückte und hartnäckige Leute sind, die darauf bestehen, diese Plattform aktiv zu halten, aber ich beziehe mich speziell auf mich, denn heute ist ein Jahr vergangen, seitdem ich meinen Account erhielt und meine erste Veröffentlichung in Steemit machte. Ein Jahr, seitdem ich meine erste Upvote von @cheetah erhielt, der dafür verantwortlich war, mich wissen zu lassen, dass wenn ich Inhalte veröffentlichen wollte, nicht einmal mich selbst plagiieren konnte.

Zwei Stimmen machten den Rest meiner ersten Veröffentlichung aus, mit Reputation in 25 und meinem Steempower mit 0,500 plus der Steemit-Delegation. Von da bis heute, nur ein paar Zehntel bevor ich Rep. 60 erreiche (etwas dass mit der Veröffentlichung dieses Textes erreicht wird), bereits mit meinem gleitenden Abstimmungsbalken und beim Aufhören, «Plankton» zu sein, um «Elritze» zu werden, ist schon viel Wasser unter der Brücke gefloßen.

Aber ich werde nicht über die Auswirkungen sprechen, die die Plattform auf mich hatte, da ich dies bereits in dem Beitrag [My 2018: Achievements and Failures – Refocusing my life](https://steemit.com/blocktradescontest/@ylich/ my-2018-achievements-and-failures-refocusing-my-life) (Ja, es ist nur in Englisch). Wenn das nicht reicht, habe ich vor fünf Monaten eine Bilanz gemacht, die sich in meiner Einschätzung nicht wesentlich geändert hat. Für diejenigen, die es lesen möchten, ist es in Bilanz, Geschichte, Erfahrung und Reflexion auf 55 – 555.

Ich möchte heute nur den Menschen und Gemeinschaften bedanken, die mich in diesem Jahr besonders unterstützt haben. Einige persönlich, andere durch Communities, aber alle haben dazu beigetragen, dass ich innerhalb der Plattform bleibe und zu Wachstum komme. Um die Liste nicht in jeder Übersetzung zu wiederholen, werde ich sie am Ende dieser Veröffentlichung platzieren.

Heute ist für mich ein Feiertag, also zu feiern. Ich werde am Ende das Lied verlassen, das traditionell an allen Geburtstagen in Venezuela gesungen wird.

Some names / Algunos nombres / Einige Namen

@anomadsoul, @carlgnash, @cervantes, @c-squared, @curie, @dach-support, @don-thomas, @elfranz, @ilazramusic, @illuminati-inc, @jedigeiss, @la-colmena, @pechichemena, @steem-bootcamp, @uwelang, @vadimlasca, @vladivostok

  • And all the people who support me every day with their upvotes and comments and join forces in the projects with me.
  • Y todas las personas que a diario me apoyan con sus votos comentarios y que hacen equipo conmigo en los proyectos.
  • Und all die Leute, die mich täglich mit ihrem Upvoten und Kommentaren unterstützen und sich bei den Projekten mit mir verbünden.

Thank you – Gracias – Danke

Music – Música – Musik


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La Dimensión Latina in #danceweekend [Español]

En mi post anterior dedicado a #danceweekend ([Willie Colón in #Danceweekend [English – Español – Deutsch]]) mencioné el amor que siento por el trombón y que en gran medida fue Willie Colón uno de los responsables de esa pasión. Pero fueron realmente dos los causantes de ese sentimiento en mí, por ese instrumento perteneciente a la sección de metales y uno de los más versátiles y emblemáticos hoy en día en la salsa. Y estoy seguro que ese instrumento llegó a ocupar el sitial que merece hoy en la música latina gracias al antes mencionado Colón y a una agrupación, que fue la primera en lograr proyección internacional en la música caribeña: La Dimensión Latina.


English version available soon!
Deutsche Version bald zur Verfügung!

Fuente

A pesar de que el grupo nació en 1972, el año en que yo regresé de Europa y llegué a vivir en Catia, un barrio popular del oeste de la ciudad de Caracas, es decir en 1975, fue que la fama tocó a las puertas de este grupo que ha marcado una huella importante dentro de la historia musical, tanto de Venezuela, como de toda América Latina y el Caribe. Ese año es considerado por muchos como el año cumbre del boom salsero, pues en todos los países donde era popular el género, hubo un salto cualitativo y cuantitativo, en relación a grupos, discos, ventas, popularidad y presentaciones.

En cuanto al nacimiento del grupo, es graciosa la historia, pues Oscar D’León, quien fue el promotor de la idea, lo que hizo fue aprovechar al presenciar en un reconocido local nocturno, la pelea del dueño del negocio con el director del grupo que estaba tocando allí. Oscar D’León le propuso de inmediato que contratara a su grupo (el cual aún no existía) y se comprometió a hacer una audición.

Rápidamente empezaron a armar el grupo. Basado en la reciente experiencia y éxito de Eddie Palmieri con el uso del trombón, decidieron usar este instrumento. El nombre lo escogieron para aprovechar la popularidad del grupo estadounidense The 5th Dimensión y originalmente fue Dimensión 6, ya que se trataba de un sexteto. Los instrumentos incluidos eran dos trombones, timbales, tumbadora piano y bajo, este último tocado por el mismo Oscar, quien era también el cantante. De manera casi inmediata cambiaron el nombre a La Dimensión Latina, nombre con el cual siguen activos hoy día.

El primer éxito del grupo vino de la mano del primer disco, el cual fue compartido, la mitad interpretada por ellos y la otra mitad por el grupo El Clan de Víctor. Esa canción, “Pensando en ti”, marcó el inicio de dos de las carreras más importantes dentro de la salsa, pues allí empezó la de esta agrupación y, en paralelo, la de uno de los cantantes más importantes del mundo en la música latina, como lo es Oscar D’León, alguien de quien más adelante les hablaré de manera más detallada.

Así le siguieron un par de discos más, cada uno cargado de éxitos. Hasta que en 1975 incorporan al cantante Wladimir Lozano, para dedicarse a los boleros. En ese género incluyeron dos canciones que aún hoy en día son referencia: “Mi adorada” y “Taboga”. Entre otras canciones incluyeron, casi como un relleno, una composición del mismo Oscar, “Llorarás”, la canción que le dio la sorpresa al mundo y se convirtió en uno de los más grandes éxitos de la música latina. Ese disco le dio un impulso nunca antes imaginado al género y al grupo, el cual se consagró a nivel internacional.

Fuente

En 1977 Oscar deja la agrupación para iniciar su carrera como solista. La Dimensión Latina se reorganiza rápidamente e integra a dos cantantes para sustituir a D’León. Uno era un cantante de larga trayectoria en el occidente del país, con un timbre vocal muy particular, como lo es Argenis Carruyo. El otro fue traído desde Puerto Rico y contaba con una importante carrera como cantante del grupo El Gran Combo de Puerto Rico, Andy Montañéz. La receta funcionó muy bien y los éxitos del grupo siguieron. Uno de los temas más destacados, cantados por estas dos voces a dúo, es “Linda Minerva”.

Pero fueron muchos más los éxitos que esta orquesta (sí, ya hablamos de orquesta, pues el sexteto se fue ampliando cada vez más), hasta que el 23 de marzo de 2017 la Dimensión Latina recibe el certificado de Patrimonio Cultural y Musical de Venezuela, por instrucción de la Presidencia de la República.

Cerca de 30 discos dan fe de su constancia y calidad musical. Y toda su trayectoria han demostrado que son capaces de poner a bailar a cualquiera, sea fin de semana o no…

Música

Pensando en ti


Taboga


Linda Minerva


El frutero


Llorarás

Este artículo fue creado para el tag #danceweekend, creado por @uwelang

Willie Colón in #MyMusic

Some time ago I wrote about one of the most outstanding singers in the Salsa, the Puerto Rican Héctor Lavoe (Hector Lavoe in #danceweekend (English-Spanish-Deutsch)) and there I told you that this was the music that was heard in the [Barrio] where I lived from 1975. In all that story there was a guy who had become director of his own orchestra and one of the most important stars of that musical movement that had already begun to take shape in New York City with the name of «Salsa.» That musician was barely 15 years old when he started with his orchestra, his name Willie Colón.


Versión en español más abajo
Deutsche Version weiter unten

Source – Fuente – Quelle

Born in the Bronx, in New York, a descendant of Puerto Ricans, he came into contact with music from an early age, driven by his grandmother who wanted for him a better future than the one they all seemed to be destined for being Latinos.

The nickname with which he was known from the beginning was «El malo» (The bad one). They say that it was originally because he was very young, he did not have much music school and his sound was very crude, in addition to being criticized for his way of mixing different musical forms and in general what he did in the arrangements. All that led to that nickname. However, Colón knew how to take advantage of the name and turned it into an image of the «bad guy», the hard guy, the one who knows how to defend himself and that was an image that served to denounce with his music the situation that the Latinos lived, it was a way of rebelling, it was part of a musical insurrection.

At age 17 he became part of the Fania. From there he was the protagonist of the two most productive musical combinations that have been in that Latin genre. It was first with Héctor Lavoe, from 1967 to 1974 and then with Rubén Blades, with whom he spent years, between producing records and fighting… Those two were key pieces in the career of this musician, arranger, composer and producer.

However, after these experiences and tired of having to deal with other singers, he launched himself as a solo singer. At first nobody wanted to see him in that facet, but he soon showed that he could also stand out in that area.

This musician is owed much of what became known as the «New York Salsa». A fundamental characteristic of Colón is always to be innovating. When everyone believed that he had found a «formula» or a «recipe» he presented himself with something new and imposed it again.

One of the things that criticized him in his beginnings, was what he considered his key to success: mixing Caribbean and Latin American musical rhythms and genres. Because as he says himself: «Salsa is not a rhythm, it is a way of making music«.Undoubtedly the repertoire that he composed, produced or accompanied and that has been recorded in more than 60 albums, gives a living sample of it.

Apart from the two aforementioned combinations, Willie Colón recorded with the most outstanding Salsa performers of all time, among them Celia Cruz, Ismael Miranda, Ray Barreto and Tito Puente.

It was that «raw sound» in his trombone and avant-garde arrangements that caused me the greatest impact and in fact, he managed to become one of my biggest references in the genre. I owe him the love I feel for the trombone…

He still remains active, despite his constant threats of retirement, which becomes a trajectory of more than 50 years being a vanguard and model in the musical field.

> Music at the end of this post!

Español

Hace algún tiempo escribí acerca de uno de los cantantes más destacados en la Salsa, el puertorriqueño Héctor Lavoe (Hector Lavoe in #danceweekend (English-Español-Deutsch) y allí les comentaba que esa era la música que se escuchaba en el barrio donde yo viví a partir de 1975. En toda esa historia había un personaje que se había convertido en director de su propia orquesta y en una de las estrellas más importantes de ese movimiento musical que ya había empezado a tomar forma en la ciudad de Nueva York con el nombre de “Salsa”. Ese músico apenas tenía 15 años de edad cuando empezó con su orquesta, su nombre Willie Colón.

Source – Fuente – Quelle

Nacido en el Bronx, en Nueva York, descendiente de puertorriqueños, entró en contacto con la música desde muy pequeño, impulsado por su abuela que quería para él un futuro mejor que aquel al que todos ellos parecían destinados por ser latinos.

El apodo con el que se le conoció desde el comienzo fue “El malo”. Dicen que originalmente se debió a que era muy joven, no tenía mucha escuela musical y su sonido era muy crudo, además de que le criticaban por su forma de mezclar distintas formas musicales y en general lo que hacía en los arreglos. Todo eso llevó a que le colocaran ese mote. Sin embargo, Colón supo aprovechar el nombre y lo convirtió en imagen del “tipo malo”, del duro, del que sabe defenderse y esa era una imagen que le servía para denunciar con su música la situación que vivían los latinos, fue una forma de rebelarse, fue parte de una insurrección musical.

A los 17 años pasó a formar parte de la Fania. Desde allí fue protagonista de las dos combinaciones más productivas musicalmente que ha habido en ese género latino. Primero fue con Héctor Lavoe, desde 1967 hasta 1974 y luego con Rubén Blades, con quien pasó años, entre producir discos y pelearse… Esas dos juntas fueron piezas claves en la carrera de este músico, arreglista, compositor y productor.

Sin embargo, luego de estas experiencias y cansado de tener que lidiar con otros cantantes, se lanzó como cantante solista. Al principio nadie lo quería ver en esa faceta, pero pronto demostró que también en ese terreno podía destacarse.

A este músico se debe gran parte de lo que se dio a conocer como la “Salsa neoyorquina”. Una característica fundamental de Colón es siempre estar innovando. Cuando ya todos creían que había encontrado una “fórmula” o una “receta” él se presentaba con algo nuevo y volvía a imponerlo.

Una de las cosas que le criticaban en sus inicios, fue lo que él consideró su llave al éxito: mezclar los ritmos y géneros musicales caribeños y latinoamericanos. Porque como dice él mismo: «La salsa no es un ritmo, es una forma de hacer música«. Sin duda el repertorio que compuso, produjo o acompañó y que ha quedado plasmado en más de 60 discos, dan muestra viva de ello.

Aparte de las dos combinaciones antes mencionadas, Willie Colón grabó con los más destacados intérpretes de la Salsa de todos los tiempos, entre ellos Celia Cruz, Ismael Miranda, Ray Barreto y Tito Puente.

Fue ese “sonido crudo” en su trombón y arreglos de vanguardia lo que a mí me causo mayor impacto y de hecho, logró en convertirse en una de mis mayores referencias dentro del género. A él le debo el amor que siento por el trombón…

Aún se mantiene activo, a pesar de sus constantes amenazas de retiro, lo que se convierte en una trayectoria de más de 50 años siendo vanguardia y modelo en el campo musical.

> ¡Música al final de esta publicación!

Deutsch

Vor einiger Zeit schrieb ich über einen der herausragendsten Sänger der Salsa, den puerto-ricanischen Héctor Lavoe (Hector Lavoe in #danceweekend (English-Spanish-Deutsch)). Da erzählte ich dass dies die Musik war, die in dem [Barrio] wo ich seit 1975 lebte zu hören war. In dieser ganzen Geschichte gab es einen Kerl, der Direktor seines eigenen Orchesters wurde, und einer der wichtigsten Stars dieser musikalischen Bewegung, die in New York City bereits als «Salsa» Gestalt angenommen hatte. Dieser Musiker war gerade 15 Jahre alt, als er mit seinem Orchester anfing. Sein Name: Willie Colón.

Source – Fuente – Quelle

In den Bronx, in New York, geboren, Nachkomme von Puerto-Ricaner, kam er schon früh mit Musik in Berührung, angetrieben von seiner Großmutter, die ihm eine bessere Zukunft wünschte als die, die sie alle als Latinos bestimmt zu sein schienen.

Der Spitzname, mit dem er von Anfang an bekannt war, war «El malo» (Der schlechte). Es wird gesagt, dass es ursprünglich so war, weil er sehr jung war, er keine große Musikschule hatte und sein Sound sehr rau war, zusätzlich dazu wurde es kritisiert dass er verschiedene musikalische Formen mischte und was er in den Arrangements im Allgemeinen tat. All das führte zu diesem Spitznamen. Colón wusste jedoch, wie er den Namen ausnutzen konnte, und verwandelte ihn in ein Image des «Bösen», des Harten, desjenigen, der sich zu verteidigen weiß, und das war ein Image, das mit seiner Musik die Situation dass die Latinos lebten anprangerte, es war eine Art Rebellion, es war Teil eines musikalischen Aufstands.

Mit 17 Jahren wurde er Teil der Fania. Von dort war er der Protagonist der beiden produktivsten Musikkombinationen, die in diesem lateinischen Genre zu finden waren. Es war zuerst mit Héctor Lavoe, von 1967 bis 1974 und dann mit Rubén Blades, mit dem er mehrere Jahre verbrachte, zwischen Platten produzieren und miteinander streiten. Diese beiden waren Schlüsselstücke in der Karriere dieses Musikers, Arrangeurs, Komponisten und Produzenten.

Nach diesen Erfahrungen und der Müdigkeit mit anderen Sängern kämpfen zu müssen, startete er als Solosänger. Zuerst wollte ihn niemand in dieser Facette sehen, aber er zeigte bald, dass er auch in diese Job hervorstechen konnte.

Diesem Musiker ist viel zu verdanken, was als «New York Salsa» bekannt wurde. Ein grundlegendes Merkmal von Colón ist immer die Innovation. Als alle glaubten, er hätte eine «Formel» oder ein «Rezept» gefunden, stellte er sich etwas Neues vor und verhängte es wiedermal.

Was ihm am anfangs kritisierten findet er als seinen Schlüssel zum Erfolg: Die mischung von karibische und lateinamerikanische musikalische Rhythmen und Genres. Denn wie er selbst sagt: «Salsa ist kein Rhythmus, es ist eine Art Musik zu machen«. Zweifellos ist das Repertoire, das er komponierte, produzierte oder begleitete und in mehr als 60 Alben aufgenommen wurde, eine lebende Probe davon.

Neben den beiden zuvor genannten Kombinationen nahm Willie Colón mit den herausragendsten Salsa-Künstlern aller Zeiten auf, darunter Celia Cruz, Ismael Miranda, Ray Barreto und Tito Puente.

Dieser «rohe Sound» seiner Posaune und seine Avantgarde-Arrangements haben mich am meisten beeindruckt und er hat es tatsächlich geschafft, eine meiner größten Referenzen im Genre zu werden. Ich schulde ihm die Liebe, die ich für die Posaune empfinde…

Er ist immer noch aktiv, obwohl er ständig mit der Zurückziehung bedroht, was zu einer über 50-jährigen Laufbahn wird und als Vorreiter und Vorbild im musikalischen Bereich gilt.

Music – Música – Musik

Todo tiene su final – Willie Colón & Héctor Lavoe


Buscando Guayaba – Willie Colón & Ruben Blades


Usted abusó – Willie Colón & Celia Cruz


Amor verdadero – Willie Colón


Idilio – Willie Colón

# This post was created for the #danceweekend tag, created by @uwelang
# Este artículo fue creado para el tag #danceweekend, creado por @uwelang
# Dieser Beitrag wurde für das von @uwelang erstellte Tag #danceweekend geschrieben

Mi nuevo blog / My new blog

Esta es la primera entrada que hago en mi blog personal dentro de mi sitio web ylich.com.

Este sitio corresponde a mi proyecto musical Ylich El Ruso, como intérprete del género salsa y que incluye a su vez «Rusia con Sentimiento Latino» un proyecto de canciones rusas versionadas a ritmos latinos.


English version available below.

Es un proyecto que nace en 2016, pero que este año se verá concretado. Y precisamente por eso, este blog viene a ser parte de la preparación de la presencia web del proyecto.

Una de las primera pruebas que hice fue versionar en ritmo de bolero una conocida canción de la época de la Gran Guerra Patria, como se le llamó a la Segunda Guerra Mundial en la antigua Unión Soviética. Esa canción lleva por título «Тёмная ночь» (Temnaya Noch), lo cual traducido al español significa «Noche Oscura».

Aquí les dejo una versión que grabamos informalmente, en formato de trío.

El proyecto está concebido con acompañamiento de orquesta completa y para ese formato es que he venido haciendo todos los arreglos.

La primera canción grabada de esa manera es «Подмосковные вечера» o «Noches de Moscú«, a la cual le siguió unos de los temas oficiales del Mundial de Fútbol FIFA Rusia 2018.  El primero de ellos disponible en Spotify en ¡este enlace! y el segundo tema, que lleva por título «Команда» (equipo), lo dejo al final de l texto.

Como este blog se publica simultáneamente en mi sitio de ylich.com y en Steemit.com/@ylich, ambos contenidos van a estar relacionados y en Steemit está previsto contar la historia completa de este proyecto, una vez que termine de contar la historia completa de mi otro proyecto Los Cañoneros, del cual pueden leer la parte más reciente que escribí en «Los Cañoneros y yo, una historia (2)«.

Así que, para las personas que me leen en el blog de mi sitio web, ya saben que acá van a encontrar información variada sobre mis actividades musicales, más allá del proyecto de El Ruso. También los invito a seguirme en Steemit, que es una gran plataforma o red social, donde hay cantidad de información que he publicado en casi un año que llevo activo allí.

A los amigos de Steemit, lo invito a estar pendientes de lo que pase en mi sitio web, el cual AÚN NO ESTÁ LISTO, pero espero tenerlo activo con toda la información que corresponde, en poco tiempo.

Para los que no conocen cómo fue la grabación del videoclip de la canción “Komanda”, los invito a leer la reseña que escribí al respecto en español, inglés, alemán y ruso [¡Haz clic para leer!]

Sin más comentario por el momento, me despido hasta una próxima ocasión y te dejo el video para que lo disfrutes.

English

This is the first time a write an entry for my personal blog on my
website ylich.com.

This site corresponds to my musical project Ylich El Ruso,
as an performer of the salsa genre and that includes «Rusia con
Sentimiento Latino» (Russia with latin feeling) a project of
Russian songs covered at Latin rhythms.

Fuente – Source

It is a project that was born in 2016, but this year will be
finalized. And precisely because of this, this blog is part of the
preparation of the web presence of the project.

One of the first tests I did was to cover a well-known song from
the era of the Great
Patriotic War
, as it was called the Second World War in
the former Soviet Union. That song is entitled «Тёмная
ночь
» (Temnaya Noch), which translated into English
means «Dark Night».

Here I leave a version that we recorded informally, in a trio
format.



The project is conceived with full salsa orchestra accompaniment
and for that format it is that I have been making all the
arrangements.

The first song recorded that way is «Noches de Moscú«
or «Moscow Nights«, which was followed by one of the
official themes of the 2018 FIFA World Cup Russia. The first one
available on Spotify in this
link
! and the second theme, which is entitled «Команда«
or «Komanda» (Team), I leave it at the end of the
text.

As this blog is published simultaneously on my site ylich.com and
Steemit.com/@ylich, both contents will be related and in Steemit is
expected to tell the full story of this project, once I finish
telling the full story from my other project Los Cañoneros, from
which you can read the most recent part that I wrote in «Los
Cañoneros y yo, una historia (2)
«.

So, for the people who read me
on the blog of my website, now you already know that here you’ll find
varied information about my musical activities, beyond the project of
El Ruso. I also
invite you to follow me on Steemit, which is a great platform or
social network, where there is a lot of information that I have
published in almost a year that I have been active there.

To the friends of Steemit, I
invite you to be aware of what happens on my website, which is NOT
YET READY, but I hope to have it active with all the information that
corresponds, in a short time.

For those who do not know how
was the recording of the video clip of the song «Komanda»,
I invite you to read the review I wrote about it in Spanish, English,
German and Russian. [¡Click
here to read it!
]

Without further comment at the
moment, I say goodbye until next time and I leave the video for you
to enjoy.